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69 Seminci - Parte I

Vía Seminci por 19 de octubre de 2024
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Bienvenidos a la primera de las crónicas que iremos dedicando día tras día a la edición número 69 de la Seminci - Semana Internacional de Cine de Valladolid, la segunda que un servidor cubrirá para El Séptimo Arte.

 

'Mi postre favorito' - Hay algo que me encanta de ir a festivales como la Seminci de Valladolid, y es enfrentarme a películas como 'Mi postre favorito' desde el más absoluto desconocimiento. La vida, sencillamente, te las pone delante sin que uno sepa ni quiera saber qué esperar. Y a dejarse sorprender (para bien). Como por ejemplo la vida le pone delante a Mahin, a sus 70 años, a un taxista llamado Faramarz. Una premisa que tarda en coger cuerpo y solera, y en desarrollarse con cuidadosa y dulce delicadeza. Al fin y al cabo estamos en Teherán, en Irán. Y ya sabemos todos, o deberíamos de saber que por ahí son muy estrictos y/o extremadamente tradicionalistas con un sinfin de cosas del día a día. 'Mi postre favorito' es una película de "yayos", tranquila y sosegada, sobre las segundas oportunidades, sobre la posibilidad de empezar de cero sin importar la edad, la tradición o un sistema político que de una u otra manera siempre coarta nuestra libertad. Un subersivo y sutil canto a la libertad envuelto en una puesta en escena transparente que deja un extraño y agridulce pero estimulante poso... y hasta aquí puedo leer. *******   

'La cocina' - La nueva película de Alonso Ruizpalacios nos sitúa en "la cocina" de un restaurante en la ciudad de Manhattan durante la hora del almuerzo, donde culturas de todo el mundo convergen. La nueva película de un Alonso Ruizpalacios cuya prominente labor acaba ensombreciendo a la propia película, un apabullante torrente audiovisual marcado por los constantes arrebatos de virtuosismo del director mejicano. Una "gran banquete" tras el cual uno acaba un tanto empachado, siendo que sus más de dos exquisitas horas de metraje se hacen tan largas como una eterna sobremesa familiar. Más que nada, porque a Ruizpalacios parece que le interesa más subrayar su mensaje social, político y laboral y su propia labor que el nutrido grupo de personajes que habitan en su multicultural ONU de comida rápida. Así, este auténtico recital lleno de empuje, ideas y ambición acaba careciendo de un trazado argumental y/o dramático que como aquel que dice, y al igual que el buen pan, lo aguante todo y le de fundamento a la comida. De esta manera nos queda una obra repleta de virtuosismo teatral que acaba cayendo un poco en lo mismo que denuncia: su propia deshumanización. Esto es, un sabroso pero algo indigesto banquete que uno más que disfrutar, engulle. ******

'Verano en diciembre' - Carolina África, en su puesta de largo como cineasta, ha contado a su favor con algo prácticamente infalible: un reparto encabezado por Carmen Machi, Bárbara Lennie, Victoria Luengo y por lo visto en su debut en la gran pantalla, también Beatriz Grimaldos. Las cuatro, juntas o por separado, se bastan, como el buen pan, para sostener esta "comedia familiar" en clave femenina sobre las pequeñas miserias y grandezas de la vida construida a partir de pequeñas pinceladas del día a día. Un día a día que salvo por el destino de un personaje en particular, no es más que eso mismo. Un día a día sin un principio y un final marcados, deambulando como una anecdótica estampa con buen fondo pero de corto recorrido y escaso poso. Se trata, básicamente, de una película agradable, simpática y muy fácil de ver cuyos resultados, a decir verdad, casan a la perfección con su ligerísima pero honesta ambición. Es, un poco, como cuando juntas en un mismo equipo a jugadores como Neymar, Messi y Luis Suárez: lo de menos acaba siendo la táctica. Aunque de vez en cuando asome por ahí un Antonio Resines haciendo de Antonio Resines, no se sabe muy bien por qué o para qué; quizá, para dejar claro que en Madrid, en diciembre, no hay que esperar que salga el sol. ******


Continuará...

Por Juan Pairet Iglesias
@Wanchopex


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    Wanchope 01 de Octubre de 2024, 05:26:28 PM
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    Wanchope 01 de Octubre de 2024, 09:16:55 PM
    'Sing Sing', una emotiva historia de redención a través del arte, cerrará la 69ª edición de Seminci


    La 69ª Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) se clausurará el próximo 26 de octubre con la proyección de la película Sing Sing, dirigida por el cineasta estadounidense Greg Kwedar. El director presentará el largometraje en una sesión especial en el Teatro Calderón, inmediatamente después de la ceremonia de entrega de premios del festival, cuya inauguración está prevista el 18 de octubre con la proyección de la película española Polvo serán, de Carlos Marques-Marcet, incluida en la sección oficial a concurso.

    Sing Sing demuestra su compromiso social al retratar la vida de un grupo de presos que encuentran en el teatro una vía de escape y transformación personal. A través de la interpretación de obras que reflejan sus propias vivencias, los personajes descubren en el proceso creativo una herramienta poderosa de redención. El teatro les permite explorar su humanidad y enfrentar las dificultades de la vida carcelaria desde una perspectiva renovada.

    Greg Kwedar, considerado una de las voces emergentes más interesantes del cine independiente estadounidense, vuelve a conmover tras el éxito de su anterior película, Transpecos (2016). Con Sing Sing, Kwedar invita a reflexionar sobre el sistema penitenciario y el papel del arte como medio de salvación, ofreciendo una visión profundamente humana y sensible de la vida tras las rejas.

    El guion de Sing Sing, coescrito por Kwedar y su habitual colaborador Clint Bentley (Jockey), se basa en el artículo The Sing Sing Follies, publicado en 2005 en la revista Esquire. En él, el periodista John H. Richardson relataba la representación de la comedia musical Breakin' the Mummy's Code en la cárcel de máxima seguridad Sing Sing dentro del programa Rehabilitación a través de las Artes (RTA). El artículo narraba cómo personas condenadas por delitos graves, como el asesinato, utilizaban el teatro para comprenderse mejor a sí mismas, lo que impactó profundamente a Richardson al descubrir la humanidad oculta detrás de los muros de la prisión.

    Entre el reparto destaca Colman Domingo (Fear the Walking Dead), nominado al Óscar por Rustin y ganador de un Emmy por su papel en Euphoria. Interpreta a John 'Divine G.' Whitfield, uno de los impulsores del programa teatral en Sing Sing. Whitfield, excarcelado en 2012, es hoy novelista, guionista, presentador de radio, cineasta y consejero juvenil. El papel de Brent Buell, el carismático y compasivo educador que dedicó su tiempo a que las personas encarceladas encontraran su voz a través del teatro, recae en Paul Raci (candidato al Óscar por Sounds of Metal).

    Uno de los aspectos más notables de la película es la combinación de actores profesionales con exintegrantes del programa RTA, quienes, tras su liberación, lograron reinsertarse en la sociedad. Entre los participantes que se interpretan a sí mismos en la película se encuentra Jon-Adrián 'JJ' Velázquez, quien fue condenado injustamente por asesinato y pasó 24 años en prisión hasta ser indultado en 2021, recibiendo una disculpa personal del presidente Joe Biden. También destaca la historia de Sean 'Dino' Johnson, quien ingresó por primera vez en prisión a los 15 años y cumplió una condena de 15 años en Sing Sing por tráfico de drogas, ilustrando la realidad de muchos jóvenes atrapados en la vida de las pandillas.

    Destaca asimismo esta producción por el modelo retributivo estipulado, mediante el cual todos los intérpretes (incluido Domingo) recibieron el salario mínimo diario estipulado por el sindicato de actores, al mismo tiempo que poseen la misma participación en las ganancias de la película.

    Con Sing Sing, Kwedar ofrece una mirada llena de esperanza sobre el poder del arte para cambiar vidas y desafía las percepciones del público sobre la reinserción social, destacando la humanidad que puede surgir incluso en los entornos más difíciles. Distribuyen en España MadFer Films y Alfa Pictures.
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    Wanchope 03 de Octubre de 2024, 10:43:46 AM
    Grandes maestros y nuevas voces en Tiempo de Historia, una selección de obras de no ficción que reúne archivo fílmico, cultura y activismo


    La selección de trabajos para la sección Tiempo de Historia, que incluye 13 largometrajes a concurso y dos propuestas fuera de competición, reafirma la evolución de Seminci iniciada en 2023, rompiendo con los enfoques tradicionales de la no ficción. Consagrados documentalistas contemporáneos conviven con cineastas noveles para ofrecer trabajos de recuperación de archivo fílmico, propuestas que reflexionan sobre cuestiones laborales, sociales o políticas, o rescatan del olvido figuras culturales alternativas o poco recordadas en la actualidad.

    Entre los reconocidos autores programados en la sección se encuentra el bielorruso Sergei Loznitsa (Maidan), quien en The Invasion ofrece un retrato conmovedor de la resiliencia del pueblo ucraniano para continuar con su vida a pesar de la invasión rusa. En esta coproducción entre Francia y Países Bajos, Loznitsa vuelve a Ucrania, donde rodó Donbass, película que le granjeó el premio al mejor director Un Certain Regard del Festival de Cannes en 2018. En esta ocasión, no muestra la violencia de la guerra, solo sus efectos, a través de una serie de episodios sin más nexo común que estar rodados detrás de la línea de frente.

    Sin abandonar los conflictos a los que se enfrenta Europa en la actualidad, la cineasta austriaca Ruth Beckermann (El caso Kurt Waldheim) presenta en Nuestra querida profesora una visión edificante de la Europa multicultural actual a través de la experiencia de una profesora de origen turco en un céntrico barrio de Viena. Beckermann ha rodado a los niños, migrantes en su mayoría, durante tres años, entre los siete y los diez, para este trabajo, por el que navegan temas como el racismo, la comunidad y la escasez de profesorado.

    Otra de las grandes figuras del cine de no ficción, el maestro chino Wang Bing (Man in Black), por su parte, presenta dos películas en esta sección. Completa así la trilogía Youth, un extenso fresco de la juventud china actual, cuya primera parte, Spring, se proyectó en Valladolid el año pasado. Bing explora en Youth (Hard Times) (premio Fifresci y mención especial del Festival de Locarno) y en Youth (Homecoming) las duras condiciones laborales en los talleres textiles de Zhili, en la región del delta del río Yangtsé, donde alrededor de 300.000 trabajadores de las regiones más pobres de China se enfrentan a interminables jornadas, abusos laborales y la soledad de estar lejos de sus familias.


    Recuperación de archivo fílmico

    Entre los grandes nombres de la sección Tiempo de Historia se encuentra también Andrei Ujică (Autobiografía de Nicolae Ceausescu). El cineasta rumano parte, en TWST: Things We Said Today, del concierto que ofrecieron los Beatles en Nueva York en 1965 para enhebrar un estudio sociológico profundo sobre los cambios históricos que ha vivido Estados Unidos. El documental recupera material emitido por los canales de televisión de la época, películas no profesionales de 8 mm e imágenes del concierto, grabadas en 35 mm, en el que inserta mediante animación a cuatro adolescentes que realizan un viaje en el tiempo.

    Al igual que él, han realizado un gran trabajo de recuperación de archivo fílmico otros participantes a competición de esta sección, como Alexander Horwarth. En Henry Fonda for President, el exdirector del Museo de Cine de Austria y del festival de cine Viennale parte de un elemento de la cultura popular como el actor de Las uvas de la ira para lanzar una reflexión más amplia sobre la historia política y social estadounidense en su debut como director. El ensayo cinematográfico firmado por Horwarth recorre los Estados Unidos de Fonda, con el actor como vínculo entre una nueva y vieja América, entre el salvajismo y la civilización, sin dejar de lado la crítica a su autocomplacencia como país.

    Con el mismo eje de recuperación del archivo fílmico, otra de las joyas de la sección llega firmada por el cineasta palestino Kamal Aljafari (An Unusual Summer). A Fidai Film gira en torno a la preservación de la memoria del pueblo palestino tras el secuestro, por parte del ejército israelí en 1982, de la colección de fotografías y filmaciones del Centro de Investigación Palestina de Beirut, privando así a un pueblo de parte de su memoria visual.


    Nuevos caminos en la no ficción

    Entre los cineastas emergentes en la no ficción presentes en Tiempo de Historia se encuentran Alexe Poukine y Paulo Carneiro. Seleccionada en la Quincena de Cineastas del Festival de Cannes, Savanna and the Mountain, de Paulo Carneiro (Bostofrio), plantea otro debate actual de connotaciones económicas, políticas, ecológicas y sociales: la confrontación entre el desarrollo económico y la preservación del paisaje. Esta película testimonia la lucha de una comunidad portuguesa contra la apertura de una mina a cielo abierto por parte de una multinacional, ofreciendo una profunda reflexión política y ecologista.

    En Who Cares, la cineasta belga Alexe Poukine (Lo que no te mata) investiga la formación de los médicos y el impacto de la salud mental y las condiciones laborales en el sistema de salud mediante el testimonio de un centro sanitario de Lausana que enseña a los profesionales, si esto es posible, a sentir y empatía por sus pacientes. El innovador enfoque de Poukine ha recibido el premio del jurado joven del Cinéma du Réel y una mención especial en el Visions du Réel.

    Seminci acogerá el estreno en España de los títulos internacionales de esta sección, así como el mundial de las películas españolas ya presentadas que también compiten en Tiempo de Historia. Entre ellas se encuentran el debut en la dirección del montador Pablo Gil Retuerto (El rayo), La marsellesa de los borrachos, una road movie musical antifranquista; Mi hermano Ali, el retrato de un joven migrante realizado por Paula Palacios (Cartas mojadas); la mirada humorística y gamberra sobre la recreación de batallas y eventos históricos que propone Kikol Grau en Turismo de guerra, y la fábula sobre las películas que nunca rodó Fernando Ruiz Vergara Caja de resistencia, de Concha Barquero y Alejandro Alvarado, la semblanza del músico argentino Waldo de los Ríos, arreglista de la conocida versión del Himno de la alegría de Miguel Ríos, en la que se entremezclan lujo, esoterismo y muerte.


    Mesa redonda 'Recuperando la historia. Hacer cine con el archivo fílmico'

    Coincidiendo con su asistencia al festival para presentar sus películas, los directores Alexander Horwath (Henry Fonda for President) y Kamal Aljafari (A Fidai Film) y la productora de The Invasion, María Baker-Choustova, participarán en la mesa redonda Recuperando la historia. Hacer cine con el archivo fílmico. Intervendrá también Pablo La Parra, director de la Filmoteca de Catalunya, con el fin de, entre todos los asistentes, poner en valor el trabajo casi arqueológico de recuperación de materiales fílmicos olvidados o perdidos, que arrojan luz desde el pasado sobre problemáticas actuales. Moderada por Javier H. Estrada, responsable del comité de selección de Seminci, esta actividad, incluida en el ciclo de charlas Pensar el cine, se celebrará el jueves 24 de octubre en el Salón de los Espejos del Teatro Calderón a las 12 horas, con entrada libre hasta completar el aforo.


    A FIDAI FILM

    Kamal Aljafari (India)

    El cineasta palestino afincado en Berlín Kamal Aljafari (Port of Memory Recollection) presenta esta innovadora propuesta de reconstrucción histórica del asalto al Centro de Investigación Palestina en Beirut, donde se robaron colecciones de imágenes fijas y en movimiento que documentaban la historia palestina. A través de un enfoque de cine documental y experimental, A Fidai Film propone una reflexión sobre identidad, memoria y la lucha por la representación en un contexto de conflicto y pérdida. Esta película ha ganado el gran premio del jurado en Visions du Réel 2024, y el premio Renaud Victor en FID Marsella. Aljafari está preparando actualmente el largometraje de ficción Beirut 1931, que rodará en Jaffa.


    CAJA DE RESISTENCIA

    Concha Barquero y Alejandro Alvarado (España)

    Los realizadores Concha Barquero y Alejandro Alvarado, reconocidos por su compromiso con el cine de autor y la exploración de temas culturales y políticos, recuperan y recontextualizan en Caja de resistencia los bocetos de películas que el cineasta Fernando Ruiz Vergara nunca pudo realizar. Mezclando documental y ficción, la película fabula con llevar al cine estos proyectos soñados del director de Rocío, documental censurado judicialmente en los primeros años de la democracia, como un gesto de resistencia. Produce Azhar Media y Alvarquero y Blablabla Media.


    HENRY FONDA FOR PRESIDENT

    Alexander Horwarth (Austria)

    Alexander Horwath, conocido por su trabajo como director del Vienna International Film Festival y del Austrian Film Museum, hace su debut en la dirección con esta obra, que combina análisis histórico y cinematográfico. Estrenada en la Berlinale, utiliza las interpretaciones y la voz del icónico actor Henry Fonda para trazar un viaje a través de la historia y la cultura estadounidense.


    NUESTRA QUERIDA PROFESORA

    Ruth Beckermann (Austria)

    La cineasta austriaca Ruth Beckermann ha seguido durante tres años a un grupo de niños de entre siete y diez años y a su dedicada profesora de un barrio obrero de Viena, ofreciendo un microcosmos de la sociedad europea contemporánea marcada por desafíos de identidad y migración. Conocida por capacidad para plantear preguntas profundas, utiliza Nuestra querida profesora para invitar a los espectadores a reflexionar sobre el papel de la educación en la promoción de la igualdad de oportunidades. Figura destacada del cine de no ficción, con The Waldheim Waltz obtuvo el premio al mejor documental en la Berlinale 2018 y logró una nominación al Oscar. Más recientemente, ganó con Mutzenbacher el premio a la mejor película en la sección Encuentros de la Berlinale 2022. Filmin distribuye Nuestra querida profesora en España.


    LA MARSELLESA DE LOS BORRACHOS

    Pablo Gil Rituerto (España)

    La marsellesa de los borrachos, primer largometraje como director del montador Pablo Gil Rituerto (El rayo, Lúa vermella, Correspondencia Jonas Mekas-J.L. Guerin), explora la memoria histórica y la resistencia política a través de una road movie por el norte de España. La película recrea el viaje clandestino de 1961 del grupo italiano Cantacronache para recopilar canciones populares antifranquistas. Utilizando los archivos sonoros originales y la memoria oral, la película contrasta las experiencias de aquel viaje con la España contemporánea, ofreciendo una reflexión sobre las heridas aún abiertas del pasado. Begin Again distribuye la cinta.


    MI HERMANO ALI

    Paula Palacios (España)

    Mi hermano Ali, dirigida por Paula Palacios, sigue a Ali Ahmed Warsame, un joven somalí que, tras huir de la guerra en su país natal a la edad de 14 años, encuentra un punto de inflexión en su vida al conocer a la cineasta Paula Palacios en una cárcel de Ucrania en 2012. Filmado en Ucrania, Estados Unidos, Catar, Arabia Saudí y España, documenta el viaje de Ali en busca del sueño americano y su lucha por encontrar una nueva identidad y comunidad en un mundo a menudo hostil. Paula Palacios, cineasta y productora especializada en realidades sociales y el mundo árabe, participó en esta misma sección en 2018 con su primer cortometraje documental, La carta de Zahra. También ha ganado la Biznaga de plata al mejor documental en el Festival de Málaga con Cartas mojadas (2020).


    SAVANNA AND THE MOUNTAIN

    Paulo Carneiro (Portugal)

    Paulo Carneiro, cineasta portugués conocido por abordar temas sociales y ambientales, testimonia en su último trabajo la lucha de la comunidad de Covas do Barroso, en el norte de Portugal, para proteger su entorno y su identidad frente a un ambicioso proyecto minero de litio planeado por la empresa británica Savannah Resources. Su filmografía anterior incluye Água para Tabatô, Bostofrio, où le ciel rejoint la terre y Périphérique Nord.


    THE INVASION

    Sergei Loznitsa (Países Bajos, Francia)

    Sergei Loznitsa documenta en The Invasion la resistencia de Ucrania frente a la invasión rusa a lo largo de un período de dos años. A través de episodios cortos, la película ofrece un retrato exhaustivo de la vida civil en Ucrania durante estos tiempos críticos y de la determinación nacional ucraniana para defender su derecho a existir. El compromiso de Loznitsa con el retrato de la realidad política y social ha sido reconocido con los premios a la Mejor Dirección en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes en 2018 por su película Donbass y el Especial del Jurado L'Oeil D'Or en 2021 por Babi Yar. Context.


    THINGS WE SAID TODAY

    Andrei Ujicâ (Rumanía)

    El destacado cineasta y autor rumano Andrei Ujicâ, reconocido por su trilogía sobre el final del comunismo (Videograms of a Revolution, Out of the Present, The Autobiography of Nicolae Ceaușescu) captura en una cápsula del tiempo la esencia de Nueva York entre el 13 y el 15 de agosto de 1965 para ofrecer una visión multidimensional de la época, enmarcada por la llegada de The Beatles a la ciudad y su primer concierto en el Shea Stadium, los disturbios de Watts y otros eventos.


    TURISMO DE GUERRA

    Kikol Grau (España)

    Cineasta con una carrera diversa que abarca desde el documental político hasta el género fantástico, Kikol Grau se embarca como director y protagonista en una inmersión personal en el turismo de guerra, combinando su participación activa con un estudio histórico de este fenómeno a través de un enfoque lúdico y reflexivo. La película, primer premio Corte Final de Documenta Madrid, combina ensayo audiovisual, recreaciones históricas y cosplay para sumergirse en cómo los turistas y aficionados a la guerra interactúan con los sitios históricos de conflictos. Anteriormente exploró la primavera árabe en Libia mediante imágenes de informativos en Objetivo Gadafi. También ha trabajado en una trilogía sobre el punk vasco y en La transacción: Un recorrido audiovisual por la Transición, seleccionada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla.


    WHO CARES

    Alexe Poukine (Bélgica, Francia, Suiza)

    La cineasta y guionista belga Alexe Poukine (Palma, Lo que no te mata) examina en Who Cares el desafío de mantener la empatía en un sistema hospitalario cada vez más liberalizado. Ambientada en el Centro de Formación del CHUV en Lausana, reflexiona cómo la empatía puede ser erosionada por las duras condiciones de trabajo, a la vez que plantea una crítica al sistema que desafía el ideal de un cuidado humano y compasivo. Tras estudiar teatro y fotografía, Poukine se especializó en antropología, cine documental y guiones. Actualmente, está trabajando en su primer largometraje de ficción.


    YOUTH (HARD TIMES)

    Wang Bing (Francia, Luxemburgo, Países Bajos)

    Después de West of the Tracks (2002), una monumental obra de nueve horas sobre el declive de una zona industrial en el noreste de China, el director Wang Bing ha seguido explorando temas controvertidos e innovando en la utilización del formato digital con la trilogía Youth. La segunda entrega de esta serie, Hard Times, estrenada en el Festival de Locarno, ofrece un vívido retrato de la dura realidad en los talleres textiles de la ciudad china de Zhili. La trama entrelaza historias individuales y colectivas que se vuelven cada vez más dramáticas, cuando la policía reprimió brutalmente los disturbios iniciados por los trabajadores en 2011.


    YOUTH (HOMECOMING)

    Wang Bing (Francia, Luxemburgo, Países Bajos)

    Wang Bing cierra con Homecoming, presentada en el Festival de Venecia 2024, la trilogía Youth, que rodó durante seis años y comenzó con Spring, estrenada en el Festival de Cannes en 2023 e incluida también en la pasada edición de Seminci. El film refleja las dificultades y las esperanzas de una nueva generación de trabajadores mientras se preparan para regresar a sus localidades natales para celebrar el Año Nuevo. El director chino, al que el Centro Pompidou dedicó una retrospectiva en 2014, ganó el Leopardo de Oro en el Festival de Locarno con Mrs. Fang y presentó, fuera de competición, Dead Souls en el Festival de Cannes.


    HIJA DEL VOLCÁN

    Jenifer de la Rosa (España, México)

    La ópera prima de Jenifer De la Rosa, reconocida en varios festivales internacionales durante su fase de desarrollo, se centra en el viaje emocional y físico de la directora al descubrir su historia personal y el contexto de su adopción en España, marcada por la tragedia de Armero, causada por la erupción del volcán Nevado del Ruiz en Colombia. Fundadora de Mayéutica Producciones, está desarrollando su próximo proyecto, La herida primaria.


    WALDO

    Charlie Arnaiz y Alberto Ortega Ahumada (España)

    Proyecto que intenta descifrar todos los secretos detrás de la figura pública del célebre músico argentino afincado en España desde los años 60, que apareció muerto en 1977 con dos disparos en la cara. Producción de Dadá Films & Entertainment dirigida por Charlie Arnaiz (El hombre que inventó el futuro) y Alberto Ortega Ahumada (Las caras de la luna). Juntos han firmado anteriormente trabajos documentales sobre Raphael, José María García y Paco Umbral (Anatomía de un dandy, nominada al Goya en 2021), además de la serie de televisión El rey del cachopo.
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    Wanchope 03 de Octubre de 2024, 10:02:21 PM
    Cineastas visionarios en su experimentación de los códigos fílmicos y la sensibilidad temática compiten en Alquimias


    Alquimias, la sección a competición del festival que pretende demostrar que el lenguaje fílmico dispone todavía de un amplio campo de innovación, propone nueve miradas que comparten una revitalización de las propuestas visuales y de la forma de abordar y presentar cuestiones políticas, sociales o emocionales. Conviven en la selección de la 69ª edición realizadores con escasos títulos a sus espaldas con irreductibles veteranos visionarios. Juntos abarcan múltiples territorios y sensibilidades para ofrecer una perspectiva lúcida y arriesgada sobre el ser humano y la sociedad actual.

    Con una trayectoria de 25 años a sus espaldas, Lou Ye (Suzhou River), aborda en Una película inacabada (Alemania, Singapur) la epidemia del covid como si fuera el diario de un cineasta. La crónica metacinematográfica que conforma este largometraje resulta un testimonio tan emocionante como revelador sobre la desconocida realidad en Occidente de cómo se vivió la pandemia en China a través de los retos de un equipo de cine atrapado en un Wuhan confinado en enero de 2020. Filmado por un cineasta poseedor de una valiente voz y un estilo poco frecuente en la cinematografía china, entrelaza realidad y ficción en capas indistinguibles. Ya en 2006, se atrevió a romper dos tabúes en Summer Palace: la sexualidad y la represión policial de la plaza de Tiananmen, lo que le acarreó una prohibición de realizar ninguna película durante cinco años por parte del gobierno chino.


    Rupturas

    Otros dos nombres presentes en esta edición en Alquimias rompen con los convencionalismos de dos cinematografías con una trayectoria tan remarcable y unos códigos muy reconocibles como la iraní y la india. Rupturas formales con el status quo que corren paralelas a una fractura de los convencionalismos marcados por las autoridades por parte de los personajes. Por ejemplo, The Great Yawn of History (Irán), de Lila Rasti, un nuevo nombre a tener en cuenta en el incesante flujo de cine iraní independiente Rasti esboza, con tintes de comedia, el rostro capitalista y un retrato irónico de la religión en Irán a través de la búsqueda de un tesoro por parte de dos hombres obligados por la precariedad.

    PS Vinothraj, por su parte, arroja en su segundo trabajo, The Adamant Girl, la silente pero férrea resistencia de una joven que se enfrenta a la retrógrada y misógina ideología de su familia cuando esta, horrorizada por su deseo de casarse con un hombre de una casta inferior, la envían a un chamán que contrarreste mágicamente el hechizo que creen que sufre. Este joven cineasta, que ganó el premio Tiger en el Festival de Rotterdam con su debut, Pebbles (2021), logró introducirse en la industria fílmica india vendiendo DVDs en las calles de Chennai, tras haber trabajado desde los ocho años en un taller textil empujado por la pobreza de su familia. Su filmografía refleja su vida y la de la región tamil de la que procede.

    Este carácter rebelde de los protagonistas frente a unas autoridades y costumbres represoras subyace asimismo en Agora (Túnez, Francia, Arabia Saudí), de Ala Eddine Slim (Tlamess/Sortilegio). El cineasta tunecino juega con los códigos del thriller de ciencia ficción y del cine de denuncia al proponer una fábula fantástica en el que el Estado trata de controlar a la opinión pública, normalizando lo inusual, cuando personas ya fallecidas vuelven repentinamente a su hogar. Poseedor de un estilo muy expresivo, que no deja de evolucionar, Slim ganó el premio Luigi De Laurentiis a la mejor ópera prima en el Festival de Venecia en 2016 con Akher Wahed Fin.


    Autoficción

    Completan la selección internacional dos largometrajes de extrema sensibilidad: Invention (Estados Unidos), de Courtney Stephens (Lesser Choices), y Bluish (Austria), de Lilith Kraxner y Milena Czernovsky. La primera recurre al recurso tan actual de la autoficción para relatar el viaje de descubrimiento que realiza la productora, coguionista y protagonista Callie Hernández (Alien: Covenant, La La Land) tras la muerte de su padre. Ejemplo del cine independiente estadounidense actual, juega con la textura que ofrece filmar en súper 16 milímetros como un elemento expresivo más en el relato.

    En el mismo tono emotivo, la propuesta de las dos realizadoras austriacas, Lilith Kraxner y Milena Czernovsky, Bluish orbita en torno a la precariedad y la búsqueda de la propia identidad de la juventud europea actual, personificada en dos mujeres jóvenes y las rutinas de su vida cotidiana. Esta segunda colaboración de las realizadoras tras Beatrix logró el gran premio de la competición internacional en el festival FIDMarsella.

    Las propuestas españolas de esta sección, ya presentadas con anterioridad, no son ajenas a esta experimentación, a mostrar preocupaciones existenciales con un enfoque propio de nuevas sensibilidades. Desde el primer largometraje de Miguel Morillo Vega, Cyborg Generation, el relato de no ficción de la relación simbiótica de un joven músico con la tecnología implantada en su cuerpo, a The Human Hibernation, ópera prima de Anna Cornudella Castro, ganadora del premio Fipresci de la sección Forum de la Berlinale, y distribuida por Begin Again. Cornudella trasciende la reflexión sobre el ser humano a todas las criaturas y la naturaleza, en general, con un punto de partida que bebe del cine soviético de ciencia ficción. Un ejercicio tan inquietante como el que el provocador Alberto Gracia propone en La parra, una de las películas españolas que más han llamado la atención este año, por su surrealismo cercano a Valle Inclán y David Lynch, su multiplicidad de tonos narrativos y visuales. Producida por Filmika Galaika y Tasio, la distribución recae en Begin Films.



    AGORA

    Ala Eddine Slim (Túnez, Francia, Arabia Saudí, Catar)

    El cineasta tunecino Ala Eddine Slim (Tlamess/Sortilegio), fundador de una de las primeras productoras independientes de su país, profundiza en su tercer largometraje en temas como la liberación y la resistencia bajo un prisma político. Una fábula en la que dos animales sueñan con la falta de habilidad humana para superar los problemas no resueltos del pasado.


    BLUISH

    Lilith Kraxner, Milena Czernovsky (Austria)

    Miguel Morillo Vega ha dedicado cinco años a indagar en su primer largometraje, Cyborg Generation, la transición de humano a cíborg de Kai Landre, un joven músico de 18 años que se implanta un órgano cibernético para adquirir un nuevo sentido que utiliza para componer. El resultado permite al espectador asistir a esta relación orgánica y desprejuiciada con la tecnología. Distribuye Agencia Freak.


    CYBORG GENERATION

    Miguel Morillo (España)

    Bellamente rodado en los tonos azulados que dan título a la segunda película conjunta como realizadoras de Lilith Kraxner y Milena Czernovsky, Bluish no sigue linealmente la vida de dos jóvenes en Viena; proyecta en la mente del espectador de forma liminal escenas de sus vidas, apáticas en apariencia, como recuerdos en la niebla. El resultado es una conmovedora representación de la angustia existencial que envuelve a sus protagonistas, que deben enfrentarse a la complejidad del crecimiento personal en un entorno desafiante y alienante. La película logró el gran premio de la competición internacional en el festival FIDMarsella.


    INVENTION

    Courtney Stephens (Estados Unidos)

    La realizadora Courtney Stephens (Terra Femme) y la guionista y actriz Callie Hernández pretenden en Invention explorar las ficciones y fantasías que, a menudo, siguen a la pérdida de un ser querido como formas de soportar el duelo. En este caso, la realización de la película se convierte en parte del proceso de superación del duelo por la muerte repentina del padre de Callie Hernández, quien hereda de él la patente de un dispositivo curativo experimental, excusa de un viaje de descubrimiento.


    LA PARRA

    Alberto Gracia (España)

    Alberto Gracia explora en su tercer largometraje, La Parra, estrenado en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam, cuestiones como la banalización de la imagen audiovisual, la dignidad humana y la memoria histórica. Gracia, uno de los grandes talentos del Novo Cine Galego, toma como punto de partida la historia de Damián, un hombre de mediana edad que vive de forma precaria en Madrid y, tras conocer el fallecimiento de su padre, regresa después de veinte años a su ciudad natal, Ferrol, donde se aloja en una legendaria pensión que da nombre a la película y por la que transitan excéntricos personajes.


    THE ADAMANT GIRL

    Vinothraj PS (India)

    El segundo largometraje del joven cineasta tamil Vinothraj PS vuelve, tras Pebbles (premio Tiger en el Festival de Rotterdam), a su región natal para relatar en The Adamant Girl el enfrentamiento de una joven con el tradicional orden establecido, cómo la misoginia y la superstición han tejido una sociedad marcada por los prejuicios de casta y los matrimonios concertados


    THE GREAT YAWN OF HISTORY

    Vinothraj PS (India)

    The Great Yawn of History, el debut en la dirección de largometrajes del joven creador audiovisual iraní Aliyar Rasti no ha podido ser más exitoso. The Great Yawn se alzó con el premio especial del jurado de la sección Encuentros en el Festival de Cine de Berlín. La interpretación de los dos protagonistas (Mohammad Aghebati y Amirhossein Hosseini) contagia de una gran energía fílmica el viaje de búsqueda de un tesoro que Rasti ha escrito como si fuera una parábola sobre la esperanza sobre su país de la que su generación hace gala.


    THE HUMAN HIBERNATION

    Anna Cornudella (España)

    The Human Hibernation, ópera prima de Anna Cornudella, film ganador del premio Fipresci de la sección Forum de la Berlinale, propone una mirada distópica en la que el ser humano hiberna durante los meses más fríos del año y vive una realidad en la que no es el centro del mundo, para llevar al espectador a reflexionar sobre el ser humano, su relación con el planeta y con el resto de los humanos y los seres vivos que la habitan.


    UNA PELÍCULA INACABADA

    Lou Ye (Singapur, Alemania)

    Algunas películas están malditas. Cuando el director Lou Ye, censurado durante cinco años por las autoridades chinas, encontró una película inacabada, se planteó qué pasaría si un equipo de filmación reunido para terminarla 10 años después se viera obligado a encerrarse en un hotel cuando apareció la pandemia de covid-19. Rodada con cámara en mano, Una película inacabada se convierte en un retrato ficticio de una situación real, un pretexto que desdibuja los límites entre ficción y documental, al incluir imágenes de archivo desconocidas para el público occidental.
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    Wanchope 07 de Octubre de 2024, 04:45:07 PM
    'The Brutalist', de Brady Corbet, premio al mejor director en el Festival de Venecia, completa la Sección Oficial de la 69ª edición


    La 69ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid proyectará dentro de la Sección Oficial a concurso The Brutalist, la película que puso a sus pies a la crítica en el reciente Festival de Cine de Venecia, y que se marchó con el León de Plata al mejor director para el estadounidense Brady Corbet. Protagonizada por Adrien Brody (El pianista), Felicity Jones (La teoría del todo) y Guy Pearce (Memento, L.A. Confidential), cuenta la historia del exiliado judeohúngaro László Toth, que consigue llegar a Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial y logra tener éxito como arquitecto gracias al apoyo económico de un empresario.

    Inspirado libremente en las experiencias del arquitecto Marcel Breuer, diseñador del Museo Whitney de Nueva York, y de otros representantes del movimiento artístico brutalista, en The Brutalist confluyen la historia de la ascensión de un inmigrante en un nuevo país, la reconstrucción de un matrimonio tras diez años separados por la Guerra, y el dilema entre talento y éxito. Si El manantial (1949), adaptación de King Vidor de la novela de Ayn Rand, sobre un arquitecto encarnado por Gary Cooper, se convirtió en una defensa del individualismo frente al comunismo, The Brutalist es la historia de cómo el sueño americano se vuelve tóxico.

    El guion está escrito por el actor y director estadounidense Brady Corbet y la también realizadora Mona Fastvold (Dobles parejas, El mundo que viene). Corbet debutó como director en 2015 con La infancia de un líder, premio al mejor director de la sección Orizzonti y premio Luigi De Laurentiis a la mejor ópera prima en el Festival de Venecia. Su siguiente película, Vox Lux: El precio de la fama, protagonizada por Natalie Portman y Jude Law, se estrenó también en el Festival de Venecia. Al igual que en las dos anteriores, en The Brutalist Corbet toma el pulso a momentos clave del siglo XX. En este caso, lo que le fascinó fue cómo la psicología de posguerra dejó huella en la arquitectura y las dos guerras mundiales obligaron a arquitectos tan destacados como Le Corbusier o Mies van der Rohe a comenzar de nuevo fuera de su país.

    «The Brutalist examina el modo en que la experiencia inmigrante refleja la artística, en el sentido de que, cuando emprendes algo atrevido, audaz o nuevo sueles recibir críticas por ello. Y luego, cuando pasa el tiempo, te idolatran y te rinden homenaje por lo que has hecho», asegura Corbet, que ha invertido siete años en hacer realidad esta película. «Nos encantó la relación de camaradería, amistad y amor que se iba desarrollando entre László y Erzsébet [su esposa] a medida que escribíamos el guion. Esas fueron las primeras chispas e ideas que dieron origen a The Brutalist», añade Fasvold.

    El reparto está encabezado por Adrien Brody en el papel del arquitecto. El actor estadounidense no solo se puso anteriormente en la piel de otro superviviente del Holocausto en El pianista; también comparte con el protagonista de The Brutalist el origen húngaro. Su madre nació en Budapest y emigró de joven a Estados Unidos huyendo del régimen comunista tras la Revolución Húngara de 1956. «Vi en The Brutalist una historia de silenciosa perseverancia y de alguien con la necesidad de luchar por alcanzar la excelencia. Incluso cuando te arrebatan la propia tierra que pisas», asegura Brody. A su compañera de reparto, Felicity Jones, le atrajo la combinación de violencia, humanidad y romance que subyace en la relación entre el arquitecto y su esposa tras tantos años separados por la guerra.

    Rodada en Budapest, el diseño de producción corre a cargo de Judy Becker (Carol), quien se encargó de hacer realidad el desafío de construir un diseño brutalista que pudiera haber sido creado por un arquitecto formado en la Escuela de la Bauhaus. Uno de los motivos por los que el realizador eligió también la capital húngara para el rodaje fue la decisión de utilizar celuloide, material cuyo uso pervive en la industria de ese país. Filmada en 70mm, en formato VistaVision (el utilizado por Hitchcock en Con la muerte en los talones, por ejemplo), el resultado es una obra de tres horas y media que apabulla visual y narrativamente.

    Con la incorporación de The Brutalist, que Universal Pictures International Spain estrenará el 24 de enero de 2025 en cines en España, son ya 22 los largometrajes a competición en la Sección Oficial de la 69ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, que dará comienzo el próximo 18 de octubre.


    'An Urban Allegory', nuevo título en la selección de cortometrajes a competición

    Asimismo, la Sección Oficial de Cortometrajes a concurso completa la veintena de títulos con el estreno en España, tras su paso por el Festival de Venecia, de An Urban Allegory, escrito y codirigido por la realizadora italiana Alice Rohrwacher y el artista urbano francés JR. Su anterior trabajo conjunto, Omelia contadina, fue premiado en 2020 en Seminci. En An Urban Allegory parten del mito de la caverna, expuesto por Platón, para crear un espacio metafórico que reflexiona sobre qué pasaría si lograra escapar de la caverna un niño de siete años. Además del niño protagonista, interpretado por Naïm El Kaldaoui, intervienen en este cortometraje Lyna Khoudri y el director de cine Leos Carax.