Yo agradezco que hayan dejado atrás la turra de 'Prometheus' y 'Alien Covenant' contando el origen del xenomorfo (en serio, ¿a quien le importa eso?) y hayan hecho una película súper disfrutona, que coge inspiración de referentes modernos como los videojuegos 'Alien Isolation' o 'Dead Space' y devuelve la saga al terror.

Fede Alvarez con 'Evil Dead' me enamoró y con 'No Respires' confirmó ese enamoramiento. No he visto su película de la saga Millenium porque no he visto la de Fincher aún (no me interesa demasiado esta saga de libros), pero aunque 'Alien Romulus' esté un punto o dos por debajo de sus dos primeras películas, es una gozada. Por la impresionante atmósfera, su gran puesta en escena y un uso de efectos prácticos simplemente delicioso. Ya no solo son los efectos prácticos, es la ausencia de cromas durante gran parte de la película, totalmente acorde con la fisicidad de la propuesta (y de Fede Álvarez).

Lo único que me jode realmente es el exceso de nostalgia (que no le hacía ninguna falta e incluso a veces da un poco de cosilla), el CGI usado en cierto personaje (debería haber estado mucho mejor) y que, aún entendiendo que es el peaje a pagar por formar parte de una saga así, me la esperaba más salvaje.

No está nada mal 'Longlegs'. Para Oz Perkins es un salto de calidad considerable teniendo en cuenta lo fallida que era 'Gretel & Hansel'. Consigue crear una atmósfera inquietante durante toda la película y no hay ni un solo elemento que no sea malsano. Nicolas Cage da miedo. Ese funambulismo entre el ridículo y el terror lo saca adelante con éxito, haciendo que cada escena en la que sale sea terrorífica o como mínimo, incomoda. Han pasado unas horas desde que la he visto y no me lo puedo quitar de la cabeza. Maika Monroe también está fantástica con su interpretación, tanto corporal (denota una tensión constante su cuerpo) como psicológico, transmitiendo a la perfección ese autismo que sufre la protagonista.

Su guion es poca cosa, pero eso podría no ser un problema si la dirección estuviese al mismo nivel todo el tiempo, y hasta el tercer acto es así. Se puede decir que aquí Oz Perkins ha encontrado su estilo y personalidad, con primeros planos, encuadres muy marcados, alargar planos en plus de la incomodidad del espectador y jugar con el fuera de foco. Toma muchos riesgos, y en general, los gestiona con éxito. Pero es precisamente en su último acto cuando parece que se acojona un poco y tiene la necesidad de dejarle todo bien mascado al espectador de la forma más expositiva posible. Es el mayor inconveniente para que 'Longlegs' sea una película interesante y no una gran película.

De todas formas, me quedo más con lo bueno que con lo malo. Se agradecen propuestas que se arriesguen un poco, que no tiren por la vía fácil y que sean juguetonas. Ahora bien, estoy leyendo algunas reacciones poniéndola como una de las mejores películas de terror de la década que no acabo de comprender. Kiyoshi Kurosawa ya hizo esto con 'Cure' y lo hizo mucho mejor.

La última película de Richard Linklater está mucho más cerca de su primera etapa más comercial ('Escuela de rock', 'Una pandilla de pelotas', 'Fast Food Nation', etc.) que de su etapa más indie y arty por la que se ha ganado tantos admiradores en escuelas de cine. Yo adoro las dos vertientes, así que no tengo ningún problema con ello, pero quien espere aquí al Linklater más personal y sensible se llevará una decepción.

'Hit Man. Asesino por casualidad' es una comedia. Tiene algo de thriller y de crítica social, pero ante todo es una comedia. Una comedia trabajada, con personajes bien escritos y desarrollados con los que poder empatizar. En esto último el protagonista, Gary, se lleva la palma gracias a un sorprendente Glen Powell, que se come la pantalla en cada aparición. En 'Cualquiera menos tú' no es que estuviese mal, pero no era la estrella de la función. Contar con Richard Linklater dirigiéndolo también habrá ayudado, al igual que su participación en el guion como coescritor, pero queda fuera de toda duda el talento que tiene para la actuación. Ya no solo es por la cantidad de diferentes registros que es capaz de interpretar en esta película, es por los detalles en las escenas dramáticas donde interpreta a, simplemente, Gary.

Al final, Linklater consigue una comedia divertida al mismo tiempo que conversa con el espectador sobre Estados Unidos (en esta ocasión sobre su forma de ver el asesinato) a través de unos personajes carismáticos. Un buen y sólido entretenimiento que, algunas veces, se pasa de rosca, aunque sea por el bien de la comedia.

Me resulta absolutamente inevitable no relacionar 'El último late night' con 'Ghostwatch', por lo que empezaré este texto hablando sobre la película prohibida (durante muchos años) de la BBC. 'Ghostwatch' es un falso documental que se emitió en falso directo en la noche de Halloween de 1992, en Reino Unido, y que tuvo consecuencias reales en la sociedad británica. Además del caos que se formó durante la emisión, colapsando la centralita telefónica de la cadena de televisión, se llegó a relacionar el suicidio de un joven con la película. Todo esto ocurrió a pesar de que, ese mismo día por la mañana, en la misma cadena donde se emitió por la noche 'Ghostwatch', miembros de la película la promocionaron explicando que nada de eso era real. En una época donde el internet estaba en las antípodas de lo que es ahora, si no veías ese programa matinal, era imposible saber que aquello que estabas viendo mientras cenabas era falso. El terror de una sociedad mucho más ingenua.

Más allá de su importancia como hecho histórico, 'Ghostwatch' (junto con 'The McPherson Tape') ha sido precursora de todo el found footage que vendría años después, como la mismísima 'El proyecto de la bruja de Blair' (por esa necesidad de difuminar lo real de lo ficticio) o 'Rec' (punto de partida prácticamente idéntico y varias escenas que Jaume Balagueró y Paco Plaza cogieron prestadas), aún habiéndose pasado años en la sombra consiguió marcar a una generación de cineastas muy concreta: Aquella que tenía muchas ganas de hacer cine pero no demasiados medios. 'El último late night' no es que esté influenciada por 'Ghostwatch'; es que directamente es un gran homenaje. Una traslación de lo que debió ser vivir aquella noche de Halloween de 1992 como espectador en el salón de tu casa llevado a la ficción absoluta.

Los hermanos australianos Cameron y Colin Cairnes en su tercera película decidieron ir a lo grande. Con dos millones de dólares (que podrá no parecer modesto de primeras, pero en la industria actual, lo es) presentan una ambiciosa premisa como es recrear un late show de los años 70 que se va de madre por culpa de exorcismos, niñas poseídas y una inexplicable sensación de que se está gestando algo infernal entre bambalinas. En este aspecto es irrefutable lo impecable de su ambientación y atmósfera, poniéndote en contexto con una pequeña introducción y enganchándote al momento a Night Owls con Jack Delroy. Su magnetismo desde su primera escena es indudable, igual que su capacidad para generar incertidumbre y sembrar dudas en el espectador. El cómo resuelve algunas de estas dudas es el punto más achacable de la película, con algunas decisiones precipitadas y otras algo torpes, pero la balanza sigue decantándose del lado bueno.

El gran trabajo de diseño de producción y el buen pulso narrativo de los hermanos Caimes encuentran su broche dorado en la actuación de un entregadísimo David Dastmalchian, el pilar que sostiene en gran medida todo el conjunto. Una interpretación icónica, que se fija en los grandes presentadores del late show (incluido Michael Parkinson, presentador de 'Ghostwatch' y un clásico de la televisión británica) en todas sus aristas, incluso en aquellas más turbulentas. 'El último late night' no malgasta la ocasión para hablar de la (habitualmente) polémica figura del presentador en este tipo de programas, donde es fácil ver cómo el ego se come a la persona real para dar paso al personaje. Esos momentos que vemos detrás de las cámaras ocupan el lugar de la realidad dentro de la ficción que estamos viendo, dejándonos ver al verdadero Jack Delroy, desarrollando al personaje de forma paralela, tanto dentro como fuera del show.

La rotura del formato televisivo para enseñarnos la situación real que se vive en un plató de televisión puede romper con la continuidad de lo que se nos presenta en los primeros minutos de metraje, pero siendo sincero no creo que importe demasiado a la hora de la verdad para disfrutar del show. Es un detalle que podrían haberse ahorrado, pues no es el resto lo que necesita cambiar, pero se lo vamos a perdonar por todo lo bueno y gozoso que ofrece en sus ajustados 93 minutos. Quien espere una película de terror al uso, eso sí, que abandone la sala. No es que coquetee con lo experimental como 'Masking Threshold' o 'Skinamarink', pero está lejos de parecerse a cualquier entrega del Warrenverse. Está en un punto medio donde no abusa de los jumpscares y tiene un ritmo totalmente deudor de su formato televisivo. Es una propuesta refrescante al mismo tiempo que a lo largo de los minutos van desfilando todos los tropos habituales en el cine de género.

Desde que la vi en el festival de Sitges mi recuerdo sobre ella ha ido in crescendo y tengo muchas ganas de volver a ella, esta vez fuera de la vorágine que se vive en un contexto como ese, sabiendo a lo que me voy a enfrentar. Claro que su formato televisivo empuja a pensar que el mejor sitio para verla es sentado en el sofá de casa, delante de tu TV, pero nada de eso. Este espectáculo merece una gran pantalla, sistema de sonido a la altura e inmersión máxima. La visita al plató de los horrores no decepciona, por mucho hype que se haya creado alrededor de ella. Realmente es una de las experiencias más memorables que se podrán vivir este año en cines.

Cuando salió el tráiler de 'Sangre en los labios' causó un impacto importante en las redes sociales. Varios eran los elementos culpables de ello. A ritmo de Smalltown Boy, de Bronski Beat, veíamos lo que parecía una especie de 'Thelma & Louise' ambientada en unos USA decadentes y extremadamente ochenteros, con Kristen Stewart como gran reclamo. La fuerza del tráiler era muy grande, pero después de ver la película, no creo que la represente muy bien. Precisamente es esa falta de fuerza, de acabar de atreverse del todo, lo que la lastra un poco. Pero lo que encontramos en ella, aunque sea diferente a lo esperado inicialmente, es igualmente interesante. Posiblemente más que la inyección de 80s parecía ser.

'Sangre en los labios' engloba varios géneros. Es un thriller, aunque seguramente sea la parte menos importante de todas. La trama es bastante previsible y no deja lugar para muchas sorpresas. No es su fuerte, ni tampoco creo que sea lo que busque. Su punto fuerte está en su capacidad para mezclar una comedia ácida y sarcástica con el drama, romántico y familiar, sobre la toxicidad de las relaciones humanas. Es ahí donde crecen los personajes y es en los personajes donde la película consigue su máximo logro, saliendose de la norma con varios de ellos, especialmente por sus arcos narrativos poco complacientes con el espectador.

En una historia con un gran componente LGBT, las protagonistas no tienen problemas relacionados con su condición sexual. Sus problemas son los de personajes que no están gritando "¡Ey, somos las lesbianas de la película!", que se pueden asociar a lo cotidiano, a experiencias con las que se puede sentir identificado todo el mundo y no únicamente una parte del público. Que, evidentemente, no habría ningún problema si fuese algo relevante dentro de la trama, pero se agradece que se normalice el tema hasta el punto de estar ante un romance no condicionado por la condición sexual de las protagonistas. Eso deja espacio para tratar otros aspectos de la vida de estos personajes.

Por ejemplo, Jackie (interpretada por una adorable Katy O'Brian), la culturista que tanto ha llamado la atención desde que salieron las primeras imágenes de la película, quiere vivir una especie de sueño americano. Lou (magnifica Kristen Stewart) tiene family issues muy graves. El plantel de personajes secundarios sirven para hablar sobre temas como la violencia de género, el amor no correspondido o el abuso de poder. Todo para retratar a un rincón de Estados Unidos absolutamente decadente, peligroso y absorbente, que corrompe a todo aquel que pasa por allí y lo atrapa.

Sin haber visto todavía 'Saint Maud', guiándome únicamente por 'Sangre en los labios', diría que la labor de la directora y guionista Rose Glass como autora es bastante evidente. En manos de alguien con poca personalidad, esto podría haber acabado fácilmente como un Tarantino wannabe o una fotocopia de las tramas locas y absurdas de los hermanos Coen. Pero aún cogiendo un poco de aquí y de allá, es capaz de darle un carácter y empaque potentes, consiguiendo jugar con el espectador a través de la fantasía, sobre lo real y lo que forma parte de la mente cargada de estupefacientes de Jackie y Lou,

En el romance protagonista, hay varias cosas sorprendentes. La primera, que desde el inicio se ve que es una relación muy tóxica. Es interesante como Rose Glass usa el punto de vista de Jackie y de Lou para hacernos creer que están increíblemente enamoradas, pero tu como espectador sabes que hay muchas cosas mal en esa relación. También es una grata sorpresa lo atípico de sus escenas íntimas/sexuales, consiguiendo que una escena fogosa y violenta como es aquella en la que Lou le pregunta a Jackie como se masturba acabe siendo uno de los momentos más bonitos y sensibles de todo el metraje. Aquí el sexo es importante y no lo tratan como algo rutinario.

Puede que me esté repitiendo, pero el tratamiento de los personajes también es signo del buen hacer de Rose Glass. No existe ni uno que no sea deleznable, que no haya sido influenciado por la vida que se lleva en el infierno donde viven, pero al mismo tiempo no existe mensaje aleccionador ni moralina en esta historia. Lou, la principal protagonista, tiene una moralidad de dudosa fiabilidad que deriva en una gran toxicidad en todas sus relaciones, el tema principal de la película junto con la herencia familiar de comportamientos y si es algo inevitable. Aquí juega un papel importante su padre, interpretado por un (siempre) fantástico Ed Harris con un look inolvidable y necesitando únicamente una mirada o gesto para transmitir. No voy a descubrir nada a nadie, pero un auténtico fuera de serie.

Como he dicho anteriormente, son varios los peros que le pongo a 'Sangre en los labios', pero eso no impide que en su conjunto sea una película muy recomendable. Mis pegas son más por quedarse "solo" en una buena película cuando creo que había potencial para estar entre lo mejor del año. Pero para que quedarse con lo malo cuando estamos ante una producción que tiene los suficientes elementos memorables como para no olvidarse de ella a los dos días, algo que casi podría considerarse un unicornio en el cine comercial. Es otro tanto de A24, y van ya...

La lucha libre profesional siempre ha estado envuelta de cierta polémica. El uso probado de esteroides durante muchos años, muertes repentinas de luchadores en extrañas circunstancias o el caso Chris Benoit son algunos de los ejemplos más mediáticos de los problemas que han envuelto a este deporte-espectáculo. Una fantástica serie documental, 'Dark Side of the Ring', lleva encargándose varias temporadas de investigar este tipo de sucesos, con cariño y respeto por los involucrados y sus familias, pero metiendo el dedo en la llaga para llegar al fondo del asunto. Con esta producción descubrí la historia de la familia Von Erich, uno de los capítulos más impactantes de la serie, que ahora A24 ha llevado a la gran pantalla con 'El clan de hierro'.

Al estar hablando de una película basada en hechos reales, se podría decir que los spoilers como tal no existen, pero recomiendo encarecidamente no leer nada sobre los Von Erich antes de verla. En mi caso, voy a intentar no destripar muchos detalles de la trama para no estropearle a nadie el visionado. El punto de partida es sencillo: Una familia dedicada al wrestling tiene como objetivo llegar lo más alto, aunque esto suponga tensar las relaciones entre ellos, soportar a un padre tóxico en todos los aspectos que uno pueda imaginar o sobrellevar la maldición de los Von Erich, un sambenito que han tenido que aguantar toda la vida. Desde donde partimos y hacía donde acabamos yendo son dos cosas muy distintas.

Me resulta imposible no mencionar películas como 'Rocky' o 'El luchador' de Darren Aronofsky. 'El clan de hierro' comparte elementos con ambas, resultando evidente la influencia de ellas en el tratamiento que da a sus personajes, pero aquí el deporte es puro trasfondo. Esto no es una historia de superación ni tampoco de redención. Si que guarda algunos momentos para fanáticos del deporte, para dejar en su lugar a aquellos que no entienden la esencia del wrestling y sueltan idioteces como que la lucha libre es falsa. Pero aquí se nos está hablando de algo más profundo, más doloroso. Algo que trasciende mucho más allá de ser el mejor o conseguir el respeto de los aficionados. Nos habla de como gestionar la perdida, la muerte de un algo o un quién.

Sean Durkin es el encargado de dirigir y escribir este drama familiar, conocido principalmente por 'Martha Marcy May Marlene', por la que ganó el premio a mejor director en el festival de Sundance y estuvo nominada a varios premios en festivales importantes, como Cannes. A simple vista, puede parecer que el trabajo de dirección sea discreto, pero está lejos de serlo. Tiene una gran economía del lenguaje, usando las transiciones para mostrar en lugar de explicar y dando importancia a momentos cotidianos para definir a los personajes. No diría que la palabra sutil sea la adecuada para definir lo de Sean Durkin, pero si es elegante y ante todo, sensible. Sensibilidad y delicadeza es lo que hacía falta para contar esta historia, justo por eso se centra en el punto de vista del hermano mayor, interpretado por Zac Efron.

La actuación de Zac Efron es descomunal. Su no-nominación al Oscar a mejor actor protagonista solo la entiendo como consecuencia de una discreta campaña de marketing y, precisamente, por lo discreto de su personaje. Por no ser exagerado, por ser humano, por no destacar de la forma en la que lo suelen hacer los roles nominados. Hay un trabajo de contención alucinante y una capacidad sorprendente para hacernos olvidar su pintoresco aspecto. Efron hace un tiempo que demostró ser un buen actor, pero este papel es la deconstrucción de la idea que se tiene de él. Un trabajo serio, que traspasa la pantalla para llegar directo al corazón, sin ser lacrimógeno. Una de las mejores actuaciones de 2024, sin duda.

Este personaje, Kevin Von Erich, será la piedra angular del largometraje, en paralelo con Fritz Von Erich, el padre de familia al que da vida Holt McCallany ('El declive de Patrick Leary', 'Mindhunter'). Este, como el resto de personajes, no tienen la complejidad de Kevin, pero están igualmente fantásticamente interpretados por un reparto maravilloso. Aunque destaca por encima de las interpretaciones el gran trabajo de guion en el núcleo familiar, en darle a cada uno de los hermanos su espacio para expresarse y desarrollarse, para comprender porque son una familia en petit comité dentro de la familia disfuncional que forman los Von Erich. Así es como consigue reflejar el sentimiento de hermandad tan grande que hay entre ellos mientras vemos la masculinidad frágil que sufren de forma indiviual, sea por un motivo u por otro, y que les afecta de forma irremediable en su manera de sobrellevar las cosas.

No puedo contar mucho más sobre ella sin destrozarla, así que lo voy a dejar por aquí. A modo de resumen, decir que 'El clan de hierro' es una gran película, un drama familiar que fácilmente consigue hacerte empatizar con sus personajes gracias a un guion fabuloso y una dirección fantástica con la que Sean Durkin le imprime el ritmo necesario para que todo vaya rodado. Es un puñetazo al estomago de esos que uno no olvida, rodados con elegancia, sensibilidad y mucha contención, desembocando en unos minutos finales memorables, tristes y preciosos. La maldición de los Von Erich llega a su fin, pero al espectador se le quedará grabada a fuego en la memoria. Larga vida a los hermanos Von Erich (y al wrestling, claro).

La música siempre ha sido un instrumento maravilloso para contar historias, indiferentemente del uso que se le de. Ya sea con lo que cuenta la propia música por si sola, como banda sonora o como vehículo narrativo, es un arte capaz de llevarnos al éxtasis emocional sin que prácticamente nos demos cuenta. Las películas sobre música suelen ir de la mano con una historia de superación o de encontrar el lugar en el que encajamos en este mundo. 'Blue Giant' no es la excepción que confirma la regla, más bien se trata de otra más que sigue ese patrón, solo que usándolo en su favor y contando con un elemento diferenciador: La libertad que le da la animación.

Acompañaremos a tres músicos en su camino hacia el éxito, siendo tres perfiles con percepciones muy distintas de lo que significa esa palabra. Está el que lleva casi toda la vida practicando, el que tiene un talento innato y el que trabaja muy duro para mejorar. La amistad que se forma entre ellos hace que se junten sus caminos y acaben luchando por un objetivo común, pero cada uno cuenta con dilemas propios, aprovechados para hablar sobre diferentes aspectos de la psique humana. De una forma no muy profunda ni sesuda, pero lo suficiente como para implicarse dramáticamente en el asunto, gracias a lo bien definidos que están cada uno de sus arcos.

Yuzuru Tachikawa es su director. Uno ya experimentado en la industria del anime, responsable también de 'Mob Psycho 100', que está entre los mejores animes de la década (algo infravalorado por culpa de su hermano gemelo 'One Punch Man'). No es poca cosa. Quien la haya visto sabrá que la dirección juega un papel fundamental en esta serie, y Tachikawa demuestra de nuevo en 'Blue Giant' lo buen narrador que es al mismo tiempo que reafirma su gran capacidad para hacerte viajar a través de largas y espectaculares escenas. Por decirlo de una forma algo burda, la película anda sola, todo resulta muy orgánico y el paulatino desarrollo de cada uno de los elementos que la conforman hace que se mezclen homogéneamente.

Cuando se combinan todos estos elementos es cuando alcanza su cenit, con escenas musicales que se zambullen en lo onírico para hacerte sentir lo mismo que los oyentes de esa música y transmitirte las sensaciones de los músicos al tocarla. Son estos los momentos en los que la historia explota en lo emocional sin la necesidad de escuchar ni una sola palabra. Tan solo música y arte en movimiento. Porque es cierto que el exceso de CGI no le viene nada bien al conjunto, ni tampoco una animación tradicional tan irregular fuera de los momentos cumbre, pero quiero creer que es debido a un problema de presupuesto o de tiempo de producción (no he encontrado nada al respecto, pero es habitual en la animación japonesa). De hecho, es lo único que puedo pensar viendo la apabullante animación que tiene en varios tramos.

En esos momentos entra en acción Yuzuru Tachikawa, tendiéndonos su mano con la hermosa banda sonora de Hiromi para llevarnos por un viaje sensorial hacia la esencia del jazz, transformando una pequeña sala de conciertos en el universo entero. Su escena final, cuando tocan el tema FIRST NOTE, es una forma brillante de finalizar todos los frentes abiertos, donde animación y música se fusionan para ofrecer uno de los mejores clímax del año. Es imposible no irse a 'Whiplash' de Damien Chazelle, que también cuenta con uno de los mejores finales de los últimos años. El de 'Blue Giant' no tiene nada que envidiarle, siendo tan poderoso que es capaz de superar aquellos problemas que he comentado anteriormente.

'Blue Giant' es una película muy sólida, con algún pequeño obstáculo que empaña ligeramente el resultado final y que la limita un poco, pero no afecta al gran sabor de boca que deja al salir de la sala. Pone los pelos de punta en más de una ocasión, llevando los sentimientos a flor de piel y ofreciendo momentos musicales mágicos. No tendrá el reconocimiento de otros títulos como 'Belle', 'Your Name' o 'Suzume', pero merece ser mencionada cuando se hable del gran momento que está viviendo el anime actualmente. Una joya a descubrir.

Es bastante habitual encontrarse algún fenómeno mensual por redes sociales en forma de tráiler, póster o material promocional de alguna película. Hace unos meses, el tráiler de 'Good Boy' se expandió como la pólvora por Twitter (así se llamaba aún), TikTok y demás gracias a su fetichista premisa, pero toda esta fugaz popularidad cayó en saco roto cuando no llegó a tener fecha de estreno en España. Como suele ocurrir, se empezó a hablar de otro título y este pasó a un segundo plano. Por fortuna, este viernes se estrena en Filmin 'Good Boy' y todos vais a poder disfrutar de esta curiosa película, que no deja indiferente ni al más curtido de los espectadores.

Antes de nada, decir que es una producción extremadamente humilde. Su director, Viljar Bøe, contaba en la presentación de la película en Terror Molins que fue rodada en poco tiempo, con poco dinero (no llega a 10.000 dólares) y tres actores. Claro que también había muchas ganas de incomodar al espectador a través de su peculiar sentido del humor y de plasmar esa mezcla entre 'La Bella y la Bestia' + 'Cincuenta sombras de Grey' que se le pasó por la cabeza un día. El noruego no es un prodigio narrativo ni visual, pero consigue sacar adelante un punto de partida complicado, en el que es fácil quedarse en la broma inicial y no sacarle todo el jugo que pueda tener.

En apariencia, es un thriller de los que nos tienen acostumbrados los países nórdicos. Fotografía fría, personajes poco motivados a mostrar sus sentimientos y golpes de efecto para mantenerte enganchado. Probablemente este sea su punto más débil, y es que a nivel estructural es demasiado formal, tanto que es fácil ver por donde irán los tiros y cual será el devenir de los hechos. Tampoco es un gran problema, creo que no es necesario que todas las películas intenten innovar o ser algo revolucionario, pero deben tener algo que compense este punto en su contra para no convertirse en algo sin alma ni personalidad. 'Good Boy' lo tiene, y sabe muy bien como jugar con ello.

El aspecto fetichista está muy presente en este título. Lo tratan desde el humor pero con mucho respeto, dejando caer alguna reflexión en la que se habla de que cada uno es libre de hacer lo que quiera de puertas de su casa para dentro, siempre que no haga daño a nadie. También habla, claro está, sobre los prejuicios hacia las personas con estas filias, sobre todo por parte de Sigrid, la protagonista, y lo poco que importan cuando elementos como el dinero entran en juego. Es una película que, además de incomodar y hacer reír, quiere hablar sobre algo, y lo hace con un discurso coherente y interesante. De una forma u otra, Viljar Bøe quiere darle una lección a Sigrid, y vaya si lo consigue.

De la misma forma que Sigrid pasa del amor a la sospecha cuando descubre el secreto que esconde Christian, su cita de Tinder (una especie de Christian Grey nórdico), nosotros viramos de la comedia a la incomodidad cuando este secreto toma protagonismo. No es, ni más ni menos, que un humano comportándose como un perro las 24 horas del día. No es ningún spoiler: se revela en los primeros segundos de metraje y es la gran baza con la que han vendido la película. Hacernos participe de esta situación desde el comienzo, antes de que la propia protagonista sepa nada, hace que todo sea mucho más divertido para nosotros y deja patente lo malévolo que es su director.

Este sentido del humor tan maligno se complementa fantásticamente con su parte de intriga, creando un thriller sólido en prácticamente todos sus aspectos (el último acto flojea un poco, pero a nivel rítmico está muy bien medida), con capacidad suficiente como para superar la broma en la que se convirtió con la salida de su tráiler y dejando una guinda final imposible de olvidar, elevando lo enfermizo de la película a niveles muy altos. No es fácil conseguir revolver el estomago a alguien únicamente con una imagen.

Por más películas modestas como esta, con las ideas tan claras y motivación para ir más un poco más allá de lo que el público actual exige.

Como si se tratase de un huracán, 'Cuando acecha la maldad' empezó a causar grandes sensaciones en su paso por festivales de cine de terror, como fueron el de Sitges o la Semana de Terror de San Sebastián. Su director, Demián Rugna, ya había conseguido destacar con su anterior película, 'Aterrados', consiguiendo buenas críticas y una recepción genial por parte del público. Por eso, 'Cuando acecha la maldad' era una especie de reválida para el director argentino, para ver si lo visto en 'Aterrados' eran solo algunos destellos o realmente su visión del terror es tan bruta como parecía. Digamos que ha superado las expectativas con creces.

Estamos ante una película brutal. Su visión de la violencia es de las más bestias que he visto en los últimos años dentro del cine de terror más mainstream, gracias a unos efectos especiales prácticos (y algún retoque digital) alucinantes y decisiones de guión atrevidas. No es por la cantidad de sangre, pues en ese sentido es bastante austera, sobre todo si la comparamos con títulos como la 'Posesión infernal' de Fede Álvarez o 'Posesión infernal: El despertar'. Su fuerza recae en la forma de dar los golpes, dándote cuenta con el primero que esto va a ser parecido a una paliza en una sala oscura, donde no sabes cuándo ni cómo recibirás las hostias.

La historia que nos plantea está llena de elementos recurrentes en el género. En una villa apartada de la sociedad se descubre que uno de sus habitantes está infectado por un ente maldito, lo que ha ocasionado que esté hinchado y lleno de infecciones por todas partes (recordando mucho a la gula de 'Se7en'), hasta el punto de no poder moverse de su cama. Las decisiones que tomarán los protagonistas a partir de este momento servirán para reflejar la estupidez del ser humano, convirtiéndose en un desfile de desgracias cada cual más brutal que la anterior, sucediendo de forma frenética y prácticamente sin dar descanso al espectador. Es aquí donde Demián Rugna saca a relucir su lado más ácido y malvado, con varias escenas con mucha mala leche y difíciles de olvidar.

En líneas generales, consigue tener su propia identidad a pesar de estar llena de todos los tropos habituales en el género. Poco a poco se encarga de ir creando su propia mitología, donde los poseídos tienen nombre propio (embichados) y las fuerzas demoníacas sus propias reglas. El carácter argentino que tiene es muy fuerte, y aunque al principio cuesta un poco acostumbrarse a algunas expresiones que utilizan, lo cierto es que le da personalidad y hace que sea algo fresco. En su último acto es donde más se ve lastrada por estos tópicos, junto con una narrativa y montaje algo caóticos, que hacen de su final un poco decepcionante.

Igualmente, viéndola se entiende porque ganó el premio a mejor película en Sitges 2023 y porque está gustando tanto. En una industria donde cada vez se lleva más hacer películas siguiendo un algoritmo y la frase que tienen grabada a fuego las productoras en la cabeza es que cuanto menos arriesguen, más fácil será contentar a la gente, 'Cuando acecha la maldad' es un oasis en el desierto. Siendo una propuesta bastante conservadora en su estructura y lenguaje, es capaz de ir más allá, sobrepasando límites que son tabú en el cine. Una obra sólida a nivel comercial pero con autoría. Y mucho cuidado, porque como aquel que dice, Demián Rugna tan solo acaba de empezar...

Godzilla nació como una alegoría del bombardeo atómico que sufrió Japón, así que de por si ya no tiene el mismo significado para el resto del mundo, y mucho menos para USA, que lo ve como un monstruo más y ya está. Raro me parece que los japoneses les vendieran los derechos para la versión de Emmerich después de que los estadounidenses, 2 años después del estreno de la primera película, hicieran su propio corte donde eliminaron toda referencia antinuclear y añadieran a un personaje nuevo que hacía de periodista. Una falta de respeto tremenda, sobre todo viniendo de ellos.

En cuanto a lo de la forma de caminar, si nos ponemos quisquillosos, los dinosaurios que aparecen en Jurassic Park no son fieles a lo que sale en los libros de historia: el T-Rex tenía plumas y además tenía muy buena vista. En el momento en el que hablamos de ficción, si tiene lógica dentro del contexto de la película, creo que pueden colarte lo que quieran. Godzilla de hecho no es ni siquiera un dinosaurio, originalmente era una mezcla entre un gorila y una ballena, de ahí el nombre original (Gorira + Kujira = Gojira). Lo que hizo Emmerich fue su propia versión del personaje, un rediseño bastante vago que básicamente convierte a Godzilla en un dinosaurio. Como ver la parte del T-Rex en la ciudad de 'The Lost World' pero a lo grande.

Yo personalmente conecto más con el Godzilla japonés porque es mucho más artesanal que el USA, donde únicamente han sacado blockbusters multimillonarios vacíos donde el monstruo tiene cero carisma (quitando 'Godzilla vs Kong' de Adam Wingard). Las películas de Godzilla en Japón siempre han sido relativamente baratas y han tenido que estrujarse la cabeza para hacer ciertas escenas. Cuando han sido serias, como 'Shin Godzilla', 'Godzilla: Minus One' o la primera de todas, el factor humano está trabajado. Cuando es puro espectáculo, como todas esas que se llaman 'Godzilla vs Kaiju X', el factor humano es irrelevante pero es un placer ver ese despliegue de efectos prácticos. Es como asistir a Rocky pegándose contra Ivan Drago o Mr. T., pero con kaijus. Para mi las versiones USA de Godzilla siempre se quedan a medias y han desvirtuado mucho lo que realmente es Godzilla.

A todo esto, 'Shin Godzilla' si que tiene doblaje en castellano, aunque yo la vi subtitulada en su día.

Cita de: Wanchope en 16 de Diciembre de 2023, 02:11:38 PM

Cita de: Sacri94 en 16 de Diciembre de 2023, 12:51:52 PM

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Un par de decisiones de guion algo cobardes e innecesarias y una sobrexplicación que roza el absurdo en algún momento.

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Que la chica al final sobreviva y lo del paracaídas, está claro. 

También he echado en falta algo más de presencia del mecánico al haber formado parte del prólogo.

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Mira, que la chica al final sobreviva no me molesta tanto como el hecho de que no den prácticamente tiempo entre el primer momento de felicidad que tiene el protagonista desde el prólogo hasta que se descubre que está viva. Es que pasamos de la llegada en barco después de la victoria a directamente él subiendo los escalones del hospital. Entonces, que esté viva me da igual, porque no tengo tiempo para gestionar esa decisión. La decisión de que esté viva es igualmente cobarde y creo que no hacía falta, él ya había decidido vivir por su hija.

Lo del piloto ya había quedado claro cuando le dice "Ah, y otra cosa..." cuando le está explicando como funciona el avión. Pero bueno, en general la película es bastante redundante, solo que no me había molestado hasta ese momento.

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Yo fui a Phenomena a verla el lunes 11, primera sesión en ese cine, y no estaba la sala llena pero había mucha gente. Por lo que he leído, y teniendo en cuenta que se ha estrenado en 50 salas, está funcionando bastante bien, así que me alegro.

Hace casi 70 años de la primera aparición de Godzilla en la icónica 'Godzilla. Japón bajo el terror del monstruo', de Ishirô Honda, donde veíamos a un lagarto/dinosaurio gigante destrozando el país nipón como alegoría del ataque nuclear que recibió por parte de Estados Unidos. Desde 1954 hasta hoy, el kaiju más famoso del mundo ha pasado por múltiples rediseños, toneladas de merchandising e incluso alguna que otra incursión en Hollywood. 'Godzilla Minus One' es el pistoletazo de salida a la celebración del setenta aniversario de la franquicia, que tendrá lugar en 2024, y es un auténtico regalo, tanto para los fans del personaje como para los que disfrutamos con los blockbusters (que llevan varios años de capa caída).

Takashi Yamazaki ha decidido echar la vista atrás a la hora de escribir y dirigir esta película. No puedo decir que haya visto todas las películas del universo kaiju del lagarto radiactivo (estoy en ello), pero he visto unas cuantas, y en esta ocasión se han centrado mucho en crear un título más parecido a sus dos primeras películas que al (buen) espectáculo sin sentido del ridículo en el que se acabó convirtiendo. Ni versiones mecha de las criaturas, ni monstruos del espacio exterior ni tampoco Godzilla marcándose una doble patada voladora. Es una película seria, solemne, donde la simbología de Godzilla es muy evidente, más incluso que en la cinta original.

Situando la acción justo después de la Segunda Guerra Mundial, con un Japón en plena reconstrucción y colocando de protagonista a Koichi, un piloto kamikaze fracasado con miedo a morir. Así se nos presenta el panorama, cargado de altas dosis dramáticas de culpabilidad y miedo, junto con la búsqueda de una chispa de esperanza para mirar hacia el futuro. En general, suele ser la parte humana la que más flojea en las 'monster movies' y lo que más pereza suele dar de entrada, porque tanto el estudio como el espectador lo que tienen ganas de explotar/ver es el poder de destrucción del monstruo. Aquí está bien trabajada e incluso diría que le iría fantásticamente bien más tiempo de desarrollo, para que lo que le ocurre a los personajes le importe algo más al espectador, especialmente en un final algo apresurado.

Todos los personajes tienen su particular relación con la Segunda Guerra Mundial. A todos les ha afectado de una forma demoledora. A través del trauma es como la película los va desarrollando y ahí es cuando Koichi se convierte en alguien interesante, por su dificultad para avanzar y mirar hacia el futuro. Es un viaje del héroe con varios tropezones por el camino, con un héroe atípico en este tipo de producciones por lo humano que se siente. No es tan complejo psicológicamente, pero recuerda a Shinji de 'Neon Genesis Evangelion' por el odio que siente hacia si mismo y lo incapacitado que se ve para hacer cualquier cosa. Ryunosuke Kamiki hace un buen trabajo interpretativo, dotando al personaje de esa falta de esperanza y humanidad que figura en el guion.

Cuando ya conoces a todos los personajes y estás inmerso en el drama de la película, escuchas los primeros compases del impresionante tema característico del personaje (compuesto originalmente por Akira Ifukube) y te reincorporas en la butaca, porque ya sabes lo que está por llegar: Ni más ni menos que Godzilla, en una nueva versión. Un nuevo diseño bastante conservador que parece el hijo de las versiones de los años 90 y 2000. Si en 'Shin Godzilla' rompían con cualquier diseño visto anteriormente, aquí han decidido ir con algo más clásico. Acorde con la celebración de la franquicia que supone, pero que quitando algún detalle (la forma de cargar el aliento atómico), no será una de las versiones más memorables.

Dejando de lado el diseño, cabe decir que la recreación mediante efectos especiales es fabulosa, sobre todo si tenemos en cuenta que su presupuesto ha sido de 15 millones de dólares, ni una décima parte de lo que costó 'Black Panther', de la que ya sabemos todos como son sus (d)efectos especiales. Las escenas de destrucción cobran todavía más importancia por el contexto de reconstrucción en el que se encuentra Japón, por lo que cada edificio destruido, cada comercio destrozado, tiene cierta relevancia. Cuando vemos recibir un ataque así a una sociedad en busca de una nueva identidad es más fácil empatizar. Cada aliento atómico, cada pisada o rugido merecen ser disfrutados en pantalla grande. Aquí se nota la experiencia de Takashi Yamazaki como director de efectos especiales. Mención especial al último acto, con una set-piece espectacular en la que es muy fácil implicarse gracias al trabajo previo en la construcción de los personajes y sus conflictos. Destacar también la BSO de Naoki Sato, que más allá del mítico tema principal, aporta mucho en las escenas de acción.

Los defectos que le puedo encontrar son básicamente dos: Un par de decisiones de guion algo cobardes e innecesarias y una sobrexplicación que roza el absurdo en algún momento. De todas formas, el resultado final es muy sólido incluso con estos problemas, así que tampoco se lo vamos a tener muy en cuenta. Godzilla vuelve a rugir en tierras japonesas después de siete años de letargo, y de qué manera lo hace. La secuela está prácticamente confirmada después de su éxito comercial, así que parece que estamos ante el nacimiento de una nueva etapa del personaje. Feliz aniversario Godzilla (por adelantado), y que cumplas muchos más.

Terror Molins 2023 - Parte II

- Terror Molins 2023 - Parte I
- Terror Molins 2023 - Parte II

Yo reacciones tibias estoy leyendo pocas, pero si mucha gente directamente diciendo que es una castaña. A mi me ha gustado pero no flipado, estoy en un punto intermedio. La volvería a ver sin problema, igual que volví a ver 'Barbarian'.

Spoiler

Esas cositas no me importan tanto, porque tienes que comprarlas para disfrutar de la propuesta, como en cualquier home invasion prácticamente.

Es verdad que hasta que no sale el alien que le mete el bicho en la garganta a la protagonista, el resto parecen retrasados mentales. Pero bueno, te lo puedo comprar, porque no deja de ser una raza fuera de su hábitat natural y que, además, están investigando un poco a los humanos. Vaya, que no los quieren exterminar.

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