SINOPSIS

"Hoy emprendemos el regreso a la Argentina". Así empieza la nueva vida de Juan, un niño de 12 años que, después de vivir en el exilio, regresa con su familia a un país que sigue bajo el régimen militar que les hizo huir. Las instrucciones para él son claras: a partir de ahora ya no eres Juan, eres Ernesto.

Infancia Clandestina es una conmovedora historia de pasaportes falsos, de escondites en el garaje, de traslados inesperados, de cumpleaños inventados, de ver a tu abuela a escondidas... Contada siempre desde el punto de vista de Juan quien, mientras es testigo del mundo combativo de sus padres, intenta que la suya sea una vida normal donde la cotidianidad del colegio, las fiestas, las acampadas, las bromas y las risas con mamá... también tienen su lugar. Y para eso, Juan cuenta con su adorado tío Beto (Ernesto Alterio) quien, en contrapunto con papá, entiende que sus ideales y su lucha no están reñidos con las ganas de disfrutar.

¿Pero es eso posible? El mundo de Juan empieza a mostrar grietas cuando conoce a María, una niña de su colegio con quien descubre, por primera vez en su vida, lo fuerte que es la sensación de amar... ¿Qué pasa cuando las decisiones de tus padres te impiden vivir tus propios sueños?

CRÍTICA


En España, por desgracia, tuvimos una Guerra Civil. En Argentina, una durísima dictadura. Cada uno tiene derecho a recordar lo suyo. "Infancia clandestina", a través de los ojos de un niño y basada en hechos reales, los del propio director, rememora una época y un país difícil para vivir. Pero sin escenas estridentes. Sugiriendo más que mostrando. Pero mejor que yo lo puede explicar su director, Benjamín Ávila: "Infancia clandestina" es la vivencia de un universo desconocido, que encierra tanto las contradicciones como los encantos de la vida de militancia. Donde hubo miedo y también alegrías, amores y pasiones".

Juan, un niño de 12 años, regresa a su país natal y del que tuvo que huir, Argentina, después de vivir en el exilio, pero ya no será Juan, si no  Ernesto. Así comienza una historia de identidades falsas y escondites donde aprenderá a vivir, reirá junto a su tío Beto (Ernesto Alterio) y empezará a amar.

Benjamín Ávila, el director, fue una víctima de la dictadura que perdió a su madre, Sara, desaparecida el 13 de octubre de 1979 en Buenos Aires, y a quien dedica esta película. El director tuvo que vivir situaciones demasiado complicadas de entender en aquella época. Eso es lo que, al menos, demuestra la película.  Lo que debería ser una infancia normal con sus compañeros de colegio, las excursiones, los primeros besos, se mezcla con las reuniones clandestinas, los escondites y el ruido de las sirenas de la policía. Pero esta película no muestra el lado amargo de esa represión, si no que intenta ser una historia amor e inocencia entre niños en aquella dura época.


Si algo destaca de la película, aquello que realmente la hace diferente, es la elaboración de las escenas más trágicas. Mediante dibujos y animación, el director hace que el espectador no salga de ese clima dulzón, como el maní con chocolate que comen, que envuelve la película, pero que sea consciente del contexto en el que se encuentra. Todo esto es gracias a que el director no pierde el punto de vista de quién está contando la historia en cada momento: Juan. Calificar si este tipo de películas, no tan duras como las que quizás estamos acostumbrados a ver con estos temas, es mejor o peor por no mostrar tal cual la realidad, es cuestión de cada uno. Las malas noticias las dan los telediarios, el cine tiene la función de entretener.

Hablar sobre otra cosa que no sea un guión muy personal es hablar de más. No porque lo demás no sea bueno, sino porque es la historia en sí misma el personaje principal. Las escenas que nosotros entendemos como cotidianas, en aquella época tenían otro significado. Siempre había algo que ocultar.

Puede que "Infancia clandestina", aún presentándose en festivales, no tenga el alcance que debiera tener. También es normal. No es un ejercicio de venganza el de Benjamín, sino más bien un intento porque no se olvide a ciertas personas y ciertas historias y este tipo de películas, incluso bien rodadas, suelen caer en el olvido.

Nota: 6,5/10

Sinopsis

Narra una oscura historia de misterio ambientada en el Camino de Santiago en la que se mezcla el suspense, el humor y la fantasía a partes iguales. El protagonista, un preso recién fugado de la cárcel, se verá envuelto en extraños e inquietantes sucesos al intentar recuperar un botín que había sido escondido años atrás en una apartada aldea de esta ruta. Siniestros ancianos, extrañas desapariciones, un peculiar sacerdote, y hasta el mismísimo arcipreste de Santiago confluyen en una trama aderezada de misterio e intriga que llevará al protagonista a enfrentarse a una condena mayor de la que había conseguido escapar.

Crítica


Buena propuesta para una noche de terror como la que se avecina y, además, de origen español. El, a veces, oscuro Camino de Santiago se convierte en el escenario perfecto para que vivos y muertos se reúnan. Todo comienza en la cárcel, con un "primo cercano" de Malamadre y su compinche quien está a punto de vivir una historia trascendental.

Un túnel oscuro. Dos fugitivos. Cada uno toma un camino. Uno de ellos acaba en un misterioso pueblo cerca del Camino de Santiago. Allí pasará la noche y algún día que otro. Sus habitantes no son lo tranquilos que aparentan ser y algo oscuro y tenebroso sucede cuando llega la noche.

Una de las mejores cosas de O Apóstolo es haberse firmado en stop-motion. Aunque lleve un tremendo trabajo, la historia no sería la misma con personajes de carne y hueso. No obstante es la primera película de animación española rodada con esta técnica, y el comienzo no podía ser mejor. Su director, Fernando Cortizo, nacido en Santiago de Compostela, ha sabido plasmar a la perfección el ambiente de una tierra donde sus leyendas significan mucho incluso para sus habitantes.


Después de tres años preparando el proyecto, por fin ve la luz en la mejor fecha posible porque quien vea la película estos días seguro que siente ese pequeño escalofrío de terror. El guión de O Apóstolo, firmado también por Fernando, incluye misterio, asesinato, muerte, humor... y unos personajes con un diseño que no tienen nada que envidar a los que se crean en las factorías americanas. La calidad artística de todo el equipo y las ganas por llevar adelante el proyecto se nota en el perfecto trabajo final: la película. No obstante, si podemos ver esta película en la gran pantalla es gracias a la técnica "crowdfunding" y la valentía de 610 socios que no dudaron en apoyar el proyecto.

Los personajes tienen las voces de famosos actores españoles como Jorge Sanz, Luis Tosar, Manuel Manquiña, etc... un reparto excelente con mucha "denominación de origen". Es una película gallega, hecha en Galicia, con actores gallegos, pero que ha sobrepasado los límites de la comunidad para llegar a todo el público que tenga ganas de ver buen cine español. No es una frase hecha. O  Apóstolo posee la cualidad de mantener un ritmo en el guión lo suficientemente acorde como para mantener la atención del espectador. Sabe mezclar la trama y darle intensidad cuando es necesario. Y tiene un punto de inflexión donde se desvela el misterio en si, que mantiene el ambiente de toda la película.

Puede que al ser una película que trata un tema tan localizado en un lugar en concreto, pase desapercibida para el público. Pero si ha sabido llegar tan lejos, puede conseguir muchas cosas más.

Nota: 7/10

¡Ganazas de verla!

Sinopsis

A sus veintiocho años, Eric Packer es multimillonario y asesor de inversiones. Un día de abril de 2000 se enfrenta a dos desafíos: apostar su fortuna contra la subida del yen... y ganar, y cruzar la ciudad en su limusina para cortarse el pelo... y llegar con vida. Durante su viaje, una odisea contemporánea fascinante, queda atrapado en un atasco producido por diversos acontecimientos: la llegada del Presidente a la ciudad, el funeral de un ídolo de la música, el rodaje de una película y una violenta manifestación política. "Cosmópolis" transcurre en un solo día, el último de una época, símbolo del intervalo entre el final de la guerra fría y la actual era de terror, de los años 90, cuando el mercado financiero se desploma y la "nueva economía" inicia su agonía.

Crítica


"Cosmopolis" es una de esas películas que, cuando sales del cine, no sabes si has visto un peliculón o un rollo. Cuando se encienden las luces, tu cabeza todavía está analizando las escenas para buscarles algún sentido porque intuyes que tienen que tenerlo, aunque no sepas cuál. Después de mucho darle vueltas y repasar en tu cabeza las escenas, crees llegar a una conclusión: "Cosmopolis" es muy rara.

Eric Parker (Robert Pattinson) es un multimillonario que decide ir en su limusina a cortarse el pelo al otro lado de Nueva York el mismo día de la visita del Presidente de los EE.UU a la ciudad. Todo un día en el que se encontrará con diversos personajes, una manifestación política, el funeral de un ídolo de la música, etc... Personas y hechos que marcarán un antes y un después.

Insisto, rara es un rato. David Cronenberg ("Un método peligroso") sorprende con una película que tiene un fondo trascendental en todos y cada uno de los diálogos del guión, pero que llega a ser tan vacío para el espectador, que se encontrará tan perdido como el personaje de Pattinson. Basado en el la novela homónima de Don DeLillo, "Cosmpolis" es una sucesión de personajes entrando en una limusina y contando su parrafada a la cámara. Cierto es que, como he dicho antes, algunos diálogos sean interesantes y muestren una realidad que se derrumba por momentos, pero llegan a ser tan tediosos, que la desconexión del film es automática.


Robert Pattinson vuelve a demostrar que puede dejar de ser el famoso vampiro para adolescentes. Sabe madurar y adaptarse a otros papeles de mayor riesgo, como este multimillonario que aparece en pantalla los 118 minutos del film. Pero aún así, no es suficiente para que la película mejore. En realidad, no llegas a entender qué clase de película estás viendo. Eric Packer va avanzando por la ciudad hasta conseguir su fin, cortarse el pelo, pero mientras tanto, se encuentra con Elise Shifrin (Sarah Gadon), la que parece ser su mujer y a la que persigue en todo momento, aunque de vez en cuando, se lía con otras mujeres, como Didi Fancher (Juliette Binoche). Más tarde empieza a sospechar que alguien quiere asesinarle y su comportamiento, en algunas ocasiones, roza lo inimaginable. Un personaje que no sabes cómo va a actuar y que descoloca.

Describir algo que ha costado entender, es complicado, pero de lo que estoy segura es de que, si volviera a verla, seguramente seguiría preguntándome las mismas cosas. Creo que no hay una respuesta ante acciones que no tienen un sentido. Retomar la película es sencillo, porque en el momento que sale un personaje de la limusina, entra otro. Solo es cuestión de empezar a escuchar lo que dice el nuevo. Es como una obra de teatro en varios actos, con cierre de telón incluido. Lo importante es no desconectar en alguno de los diálogos. Tarea bastante complicada.

Nota: 4/10

Sinopsis

Georges Duroy (Robert Pattinson), un joven apuesto y sin escrúpulos, llega a Paris procedente de Argelia, donde ha pasado dos años movilizado con el ejército. Su gran atractivo físico y encanto personal pronto comienzan a abrirle puertas. Cuando toma conciencia de sus posibilidades, sus aspiraciones crecen y su ascenso se precipita de manera tan vertiginosa como su actitud moral se degrada. La maquinación y la seducción lo elevaran hasta el lugar que ha decidido le es propio: las más altas esferas de Paris. Bel Ami (como será apodado por sus sucesivas amantes) es una obra emblemática de uno de los escritores más relevantes del siglo XIX: la historia de un personaje que relega a un segundo plano los principios morales en favor de los modales complacientes. Un relato en el que la lealtad choca con la ambición.

Crítica


Qué tendrán los ecos de sociedad que a todos, en mayor o menor medida, acaban interesando. Ya sea el cotilleo de la famosa de turno en la revista del corazón o las hazañas de tus vecinos. Al final el rumor es una de las claves que mueve el mundo. Bien lo sabían aquellos literatos que comenzaron a escribir novelas de amor durante el siglo XIX. Pues, básicamente, eso es "Bel Ami": un folletín novelesco. Ni emociones fuertes, ni misterios sin resolver.

Georges Duroy (Robert Pattinson) es un joven que llega a París procedente de Argelia, donde ha pasado dos años movilizado con el ejército. Desea salir de su vida de pordiosero y convertirse en un miembro de la alta burguesía. No se detendrá ante nada ni nadie para conseguir su objetivo.

Dos directores noveles en el arte del largometraje para la gran pantalla filman una película basada en el clásico que escribió en 1885 Guy de Maupassant. Un folletín novelesco que no ofrece nada de interés, pero que está cargada de importantes figuras cinematográficas. Por eso, "Bel Ami" llamará la atención del público, pero, a la hora de ofrecer algo, no puede hacer mucho.


Robert Pattinson utiliza sus armas seductoras para conquistar no a una, ni a dos, si no a tres mujeres y las que vengan. Por venganza, obsesión o placer. Sea por lo que sea, Pattinson se pasea por el siglo XIX dejando a un lado al famoso vampiro Edward. Desde que se diera a conocer con más énfasis en la saga Crepúsculo, intenta desprenderse de ese personaje. Como espectadora y crítica busco, con ganas, sentir que la influencia de Edward desaparece de ese muchacho. Así como "En agua para elefantes" no pudo desprenderse del vampiro, pero en esta como en la próxima que está a punto de estrenar a las órdenes de Cronenberg, "Cosmopolis", si somos objetivos, creo que se nota un avance. Poco a poco va buscando al actor que debería ser y no lo que el marketing ha creado. Cierto es que no es su mejor papel, pero poco a poco se hace el camino.

Ninguna de las tres mujeres que acompañan a Pattinson (Uma Thurman, Kristin Scott Thomas y Christina Ricci), sobresale una sobre la otra. No es culpa suya. Su actuación es ejemplar ante el tipo de película ante la que nos encontramos. Un guión flojo matizado con notas musicales que invitan a esperar más de un film que está abocado desde el principio a ser plano. Si no fuera, como siempre, porque este tipo de películas incluye actores de renombre como reclamo, nadie prestaría atención a esta historia de de amor y codicia entre burgueses.

No sé si estaría firmado en algún contrato o, en realidad, fuese por apetencia, lo que está claro es que "Bel Ami" es un producto comercial con un principio y un fin muy unidos. Por mucho que la actuación sea lo único destacable de la película, no es suficiente si la historia no tiene algún interés para el espectador.

Nota: 4/10

Lo bueno de esta película es que sabes lo que es y lo que ofrece y, creo que eso al menos lo consigue.

Cita de: efialtes76 en 04 de Octubre de 2012, 04:32:46 PM
Tiene narices darle más nota a este engendro,que a Magic Mike!xd

Insisto, esta sabes lo que vas a ver. "Magic Mike" empieza bien, pero creo que va perdiendo intensidad.

Sinopsis

Magic Mike (Channing Tatum) lleva años dominando el escenario del Club Xquisite con su original estilo y sus imponentes movimientos. Un día Mike se fija en un jóven llamado The Kid (Alex Pettyfer) al que decide apadrinar y enseñar todos los secretos de las fiestas, las mujeres y el dinero fácil.

Mientras aparece Brooke (Cody Horn), la cautivadora hermana de The Kid, que resulta ser una oportunidad para Mike, alguien a quien conocer mejor... hasta que su modo de vida se cruce en su camino.

Crítica


Podría caer en la simplicidad de admitir que en esta película lo principal son los stripers, y voy a caer. Steven Soderberg no es un director que se quede en un solo tema y aquí tampoco lo hace. Por debajo de hombres musculosos y semidesnudos, y mujeres, como diría Almodóvar, "al borde de un ataque de nervios", subyacen otros temas. Cierto es que no ahonda demasiado y pierde fuelle, pero ahí están.

Mike (Channing Tatum) es un experto striper que un día se fija en un joven muchacho, al que apodan "El Niño" (Alex Pettyfer), para enseñarle todo lo que sabe sobre fiestas, mujeres y dinero.

No es de extrañar que el propio Channing Tatum sea el actor principal y productor de la película. Parece ser que retrata los inicios del modelo antes de meterse a actor y no ha debido olvidar ninguno de los pasos. Quizás lo mejor de toda la película sean los números musicales. Se les ve cómodos y pasándolo bien, aunque alguno no vaya acompasado. Dirigidos por el inconfundible Matthew McConaughey quien se anima también a bailar sobre la pista como si no fuera la primera vez que se desnuda ante cientos de mujeres.


Con momentos divertidos, "Magic Mike" se disfruta mientras se ve, aunque a medida que avanza vaya perdiendo interés. Alex Pettyfer, al que algunos conocerán por su papel protagonista en la película "Soy el número cuatro", comienza a ver lo fácil que es ganar dinero en ese negocio y no se lo pensará dos veces ante la posibilidad de tener más sin mucho esfuerzo. Así es como el guionista Reid Carolin, quien también tiene un papel en la película, acaba llegando al alcohol, las drogas y el sexo. Momento de toda historia que se precie sobre jóvenes y dinero fácil. Es en ese momento cuando Tatum deja de tener interés para ser solo un personaje que transcurre por el film, como todos los demás y quien rescata alguna sonrisa de las carcajadas iniciales es McConaughey. Irónico, pero cierto.

"Magic Mike" sufrirá comparaciones con la exitosa "Full Monty". De hecho, en USA lleva más de 10 millones de espectadores, como dice su cartel, aunque aquí en España sabemos que eso no es síntoma de que sea buena. Para nada es igual. Y no sólo es que aquella fuera con adultos y esta con jóvenes. No. Es que el peso que podría tener un tema como la madurez, acaba desinflándose. Es que una vez que sales de la película, ni siquiera te paras a pensar que hay más allá de los stripers y no porque no haya otros temas, sino porque Soderberg no ha sabido, quizás, darle la importancia que requieren, o llevarlos a la par que el tema del stripper. Hay reacciones o acciones que ni se entienden y eso es un error.

Hombres y mujeres lo pasarán bien viendo la película, pero no busquéis nada de trasfondo porque lo que parece que tiene, ni siquiera a ellos ha debido importarles.

Nota: 5/10

Sinopsis

El mortal T-virus de la Corporación Umbrella continúa causando estragos en la Tierra, transformando a la población mundial en legiones de muertos vivientes hambrientos de carne. La última y única esperanza de la raza humana, Alice (Milla Jovovich), despierta en el corazón de las instalaciones de operaciones más clandestinas de Umbrella, y revela más sobre su misterioso pasado mientras que se adentra todavía más en el complejo.

Sin un lugar seguro, Alice sigue a la caza de los responsables del brote, una persecución que la llevará a Tokyo, Nueva York, Washington D.C. y Moscú, que culminará en una impresionante revelación que la obligará a replantearse todo hasta entonces pensaba que era verdad. Con la ayuda de nuevos aliados, amigos y familiares, Alice deberá luchar para sobrevivir el tiempo suficiente como para escapar de un mundo hostil al borde del olvido. La cuenta atrás ha comenzado.

Crítica


Como si de un fiel adepto se tratase, "Resident Evil: Venganza" sigue todas y cada una de las normas de las películas de acción, sin saltarse ni una, ni las malas. Hay tiros desde los créditos iniciales, no se ven pero se oyen; persecuciones con un coche de gama alta de por medio; peleas cuerpo a cuerpo con todo lujo de detalles; y diálogos vacíos que sirven para pasar de una escena de acción a otra. Todo para conseguir que, por lo menos, el producto comercial no caiga en el suspenso.

Alice (Milla Jovovich) es la única salvación ante los estragos que el virus de la Corporación Umbrella está causando en la Tierra. Al despertar como prisionera en las instalaciones secretas de Umbrella, Alice hará todo lo posible por intentar escapar y en el camino se encuentra con viejos amigos y familiares. Lo que descubre es más poderoso de lo que se imaginaba.

Esta es la tercera película de la saga "Resident Evil" como director de Paul W.S. Anderson y la quinta como productor. Se puede decir que este director especialista en la ciencia ficción y en efectos especiales se sabe al dedillo qué hay que hacer para mantener al público entretenido. Y que mejor manera que poner las cartas sobre la mesa desde el principio de la película. Fuego, tiros, explosiones... acción. Y todo rebozado con la varita mágica de los últimos años: el 3D. Lo importante es ir sobre seguro y saber que, al menos, la gente no va asistir engañada al cine. Y para que luego digan que algunos directores no piensan en su público, Anderson, que también es guionista de esta película, hace un breve resumen de las anteriores cuatro películas, para aquellos despistados que no sepan qué es eso de Resident Evil y por qué ocurre toda esta historia. Breve, pero conciso y claro.


Milla Jovovich vuelve a enfundarse el traje de "sado" (como dice uno de los personajes) para dar vida a la imbatible Alice. Patadas, tiros, puñetazos... Y unos ojos que lo dicen todo. Creo que podría no hablar en toda la película y no notar diferencia. Sólo con la mirada sería suficiente. También es verdad que para los diálogos que Anderson introduce, a veces mejor no poner nada y que el silbido de las balas siga sonando. Pero no estará sola. Viejos amigos vuelven: Hill Valentine, la vieja amiga de Alice que ahora se ha pasado al otro bando; Wesker, el antiguo líder la Corporación Umbrella; Luther West, un superviviente del virus que lucha por salvar a Alice, etc... Todos juntos, de nuevo, unos preparados para hacer el mal y otros para impedirlo.

Podría tratarse de una película pretenciosa por aquello de los efectos en 3D y las escenas de acción, pero, la verdad sea dicha, se deja ver perfectamente. Insisto, sin haber vistos las anteriores. Las comparaciones son odiosas, así que a veces es mejor no tener ninguna como referente para analizar esta quinta entrega como una sola. Dicho esto, si lo que el espectador busca es acción, "Residente Evil: Venganza", es su película. Si lo que quiere, además, es entretenerse, ver efectos especiales de calidad y que los diálogos no le chirríen mucho, nada más que lo justo y necesario, "Residente Evil: Venganza", sigue siendo su película. Si no quiere tener que entender de dónde viene tal personaje o cuál es la trama de la película, no lo dude, "Resident Evil: Venganza", es su mejor opción. Si no quiere nada de estas tres cosas, olvídelo, ni se cuestione si ver o no esta película.

Nota: 6/10

Sinopsis

'A Roma con amor', la nueva película de Woody Allen, es la historia de un grupo de personas en Italia, unos americanos, otros italianos, unos residentes, otros visitantes, y los romances, aventuras y enredos en los que se ven envueltos. La película nos pone en contacto con un conocido arquitecto americano que revive su juventud; con un romano corriente de clase media que de repente se ve convertido en la mayor celebridad de Roma; con una joven pareja provinciana que tiene encuentros románticos por separado y con un director de ópera americano que hace todo lo posible por llevar a los escenarios a un empresario de pompas fúnebres que canta.

Crítica


Ganar y conservar el beneplácito del público es una tarea que solo se consigue cuando tu trabajo es bueno, aunque no todo posea la misma calidad. A veces es conveniente dar dos pasos hacia atrás y aprender durante el camino para conseguir el resultado que uno busca. Woody Allen lleva tantas películas a sus espaldas que sabes que si la actual no es de las mejores, quizás la siguiente sea la buena.

"A Roma con amor" es la historia de un grupo de personas y de cómo el amor, el engaño o el éxito influyen en cada una de ellas. Una obra coral que en una ciudad, Italia, donde todo puede ocurrir.

Las historias se entrecruzan y los rostros conocidos acaparan la pantalla. Woody repite actores y trabaja con algunos nuevos, pero todos saben quién manda. Hay que tener mano dura y llevar muchos años en el negocio para tratar con tanta "star" junta, pero si Woody se marca un objetivo con una película, luchará hasta conseguirlo. "A Roma..." convence a base de bromas, frases inteligentes escritas del puño y letra del genial Woody y escenas inimaginables que sólo él puede conseguir rodar sin caer en el absurdo. Pero nada sería posible sin una dirección tajante y debe dar gusto trabajar con Woody porque muchos repiten. Penélope Cruz, que trabaja por segunda vez con el director neoyorkino, interpreta a Anna, una prostituta que por error acaba convirtiéndose por un día en la mujer de un joven recién casado cuya mujer real se ha perdido por las calles de Roma. Alec Baldwin es un famoso arquitecto que vuelve a Italia de visita y se convertirá en la voz de la conciencia de Jack (Jesse Eisenberg) y Monica (Ellen Page). Jack mantiene una relación con Sally (Greta Gerwig), pero se enamorará de la alocada y sexy amiga de Sally, Mónica. Es importante tener en cuenta que, aunque sea una obra coral, el peso de la película recae sobre actores contados y una de ellos es Ellen Page ("Juno"). Desprende cierto arrojo interpretativo que ya quisieran tener muchas actrices más mayores que ella.


Roberto Benigni interpreta a un padre de familia, Leopoldo, de clase media, que de la noche a la mañana pase a ser famoso y a salir en todos los programas de televisión. De la misma manera, los medios de comunicación se olvidan de él para cazar a su próxima víctima. Una denuncia fácil y divertida sobre los mass media actuales. Y como no hablar de Woody, quien no se ponía delante y detrás de una cámara desde "Scoop". En "A Roma con amor" interpreta a Jerry, un estadounidense especialista en música clásica ya jubilado que visita a su hija para conocer a la familia de su futuro yerno.

Mezclas de culturas y de actores con un único escenario, Roma y con una canción de apertura que llama a soñar y dejarse llevar. "Volare...." A fin de cuentas, son las historias las que deben llevarnos a disfrutar de la película, empeño que consigue aunque a veces pueda resultar más placentero ver a unos personajes que a otros.

Woody está enamorado de Europa, por eso la mayoría de sus últimas películas las ha rodado en Barcelona, París o Londres. Sorolla sabía retratar una luz natural tan real como ninguno otro lo ha hecho. Woody es capaz de filmar con mimo los rincones de las ciudades de las que se enamora y consigue que escenario, actores e historia sean solo uno. Que todos los detalles se conviertan en uno solo capaz de sentar al espectador en la butaca de un cine y disfrutar. Pocos quedan en la era digital.

Nota: 6/10

Sinopsis

En la película 'Sin rastro (Gone)', Jill Parrish llega un día a su casa después de trabajar un turno de noche y descubre que su hermana, Molly, ha sido secuestrada. Jill, que ya tiene experiencia en esa materia, tras haber logrado escapar de las garras de un asesino en serie que la secuestró un año antes, está convencida de que se trata del mismo individuo. La policía cree que Jill está loca, por lo que no se muestran muy dispuestos a malgastar sus recursos para ayudarla. Al temerse que Molly pueda estar muerta para la puesta de sol, Jill decide emprender por su cuenta una persecución para encontrar al asesino, sacar a la luz sus secretos y salvar a su hermana.

Crítica


Jugar al despiste con el espectador es un elemento que, bien utilizado, funciona de maravilla en cualquier película. Si se tienen todos los cabos atados y resueltos, el resultado puede ser sorprenderte. Pero si sólo se juega con elementos de telefilme y no se sabe resolver bien las historias empezadas, pueden darse casos como "Sin rastro".

Jill Parrish (Amanda Seyfried) vive obsesionada con que el hombre que una vez la secuestró y de quien se pudo escapar, va a volver a por ella. Un día que llega de trabajar, se encuentra con que su hermana Molly ha desaparecido. Nadie cree que la hayan secuestrado, por lo que ella empieza una búsqueda que esta vez intentará finalizar.

Ciertos argumentos sólo sirven para películas de sobremesa. Son interesantes y mantienen al espectador en vilo. Y te quedas a ver esas películas porque no tienes nada mejor que hacer y porque no buscas en ella unas características que te sorprendan, sólo que te mantenga entretenido. Allison Burnett ("Underworld: El despertar") guionista y Heitor Dhalia, el director, no iban mal encaminados cuando decidieron firmar esta película, pero creo que han dejado demasiados cabos sueltos y han querido jugar con el espectador más de lo debido, tanto que hay cosas que son inverosímiles. Pero claro, contar con una estrella en alza como Amanda Seyfried como protagonista es la carta de presentación para poder estrenar una película como "Sin rastro" en el cine, aunque no esté capacitada para ello.


No seré yo quien diga que hay cosas imposibles en este mundo. Todos los días descubrimos que el ser humano es capaz de seguir sorprendiéndonos. Pero ciertas acciones sin una explicación clara no tienen ningún sentido y ese es el fallo de "Sin rastro". No da explicaciones, aparecen personajes que parece que despistan, pero luego no tienen ningún papel importante en la película, es más, no se sabe qué ha sido de ellos ni por qué han aparecido y eso es, desde mi punto de vista, insultante. Por mucho que Amanda Seyfried se empeñe en parecer creíble, en esforzarse en aparentar ser una víctima obsesionada con descubrir la verdad y los demás personajes la ayuden, evidentemente unos más que otros, "Sin rastro" no es más que un telefilme, quizás, de alta calidad, pero al fin y al cabo, una película de sobremesa.

Tengo que confesar que vi esta película hace un par de meses porque creo, si no me equivoco, que la fecha de su estreno iba a ser antes de agosto. Pero lo que sí sé es que si no llego a mirar las notas que apunté nada más salir de la película, a día de hoy no me acordaría de ella. Aunque creo que hubiera sido mejor...

Nota: 3/10

Sinopsis

George (Paul Rudd) y Linda (Jennifer Aniston) son la típica pareja superestresada que reside en Manhattan. Pero la empresa de George reduce la plantilla y este se queda en la calle. No les queda más remedio que mudarse a Atlanta a vivir con el insoportable hermano de George.

Mientras conducen hacía allí, George y Linda descubren Elysium, una comunidad idílica donde residen unos personajes muy especiales que ven la vida de otro modo. ¿El dinero? No compra la felicidad. ¿Una carrera? ¿Para qué? ¿Ropa? Sólo si hace falta ponérsela. ¿Será Elysium el nuevo comienzo que necesitan George y Linda? ¿O un cambio tan brusco de perspectiva causará más problemas de los que resolverá?

Crítica


Una película más para el currículum de Jennifer Aniston. Así se podría resumir "Sácame del paraíso", un intento por convencer de que la vida hippy, sin problemas y sin puertas para salvaguardar la intimidad puede ser mejor que la ciudad. Una comedia que sube muy deprisa y se desinfla más rápido de lo que ha logrado mantenerse en el aire.

Linda (Jenifer Aniston) y George (Paul Rudd) son una joven pareja que vive en Nueva York hasta que a ella no le compran un documental y él pierde el trabajo. Arruinados, deciden marcharse a vivir a Atlanta con el hermano de George, pero por el camino conocen a una comunidad hippy que les hará ver la vida de otra manera.

El guión de la historia comienza bien. Escenas rápidas y con algún momento gracioso, pero luego parece que las ideas se acabaron y que no había porqué mantener el nivel. "Sácame del paraíso" es una comedia típica con un guión insulso y previsible. El director, guionista y productor David Wain ("Mal ejemplo") parece estar más acostumbrado a escribir guiones de series que de películas, porque lo interesante dura 45 minutos, si es que algunas escenas anteriores por lo menos despiertan una sonrisa en el espectador. Además, en esta ocasión vuelve a contar con el actor Paul Rudd que coincide con Jennifer una vez más desde que se conocieran allá por los últimos capítulos de "Friends". La pareja encaja, uno tiene lo que al otro le falta. Ambos saben adaptarse y conseguir que ninguno sobresalga. Tienen escenas muy cómicas, no hay que quitarle ese pequeño valor, pero no convence.


Los secundarios, aunque buenos y conocidos, no tienen el peso que deberían y representan más el papel de escalones cuya única utilidad es encumbrar a los dos protagonistas. Incluso, a veces, el espectador sentirá que está viendo una película de adolescentes. No es de extrañar porque una de las bazas fuertes del filme es el productor Judd Apatow, productor de ejemplos como "Supersalidos" o "Superfumados", pero, también, director de la divertida "Lío embarazoso". Sé que es Hollywood, pero tampoco se le puede dar salida a todo. Hay que tener un poco de criterio.

Dejando comentarios personales a parte, "Sácame del paraíso" confirma la teoría de que o eres de ciudad o de campo. No se puede ser de los dos. A parte de admitir que el género cómico-comercial necesita un mesías que los ilumine a todos o, por lo menos, marque un camino a seguir. Estrenada hace tres meses en EE.UU, ahora somos nosotros los que podemos elegir. Jennifer Aniston o no Jennifer Aniston, esa es la cuestión.

Nota: 4/10

Sinopsis

Comedia romántica basada en la sorprendente historia de como Mortimer Granville, en el nombre de la ciencia, llegó a desarrollar el primer vibrador electromecánico del mundo. La nominada al Oscar, Maggie Gyllenhaal, Hugh Dancy, Jonathan Price, Rupert Everett y Felicity Jones, protagonizan esta historia de un joven doctor de la época victoriana que se esforzará por descubrir la clave de la felicidad de las mujeres.

Crítica


Partir de una idea tan curiosa como explicar quién inventó "el vibrador" es una buena baza para ir animado/a a ver la película. Salir de ella con una sonrisa en los labios puede parecer un tópico, pero es la verdad. Hasta contar su historia puede ser divertido. Y aviso para navegantes, los créditos finales merecen la pena.

El Dr. Mortimer Granville (Hugh Dancy) es un médico que a finales del siglo XIX está dispuesto a mejorar la medicina. Por caminos que el destino le tiene preparado, llegará a la consulta de un médico experto en curar la "histeria femenina". Allí descubrirá la forma de paliar los síntomas que padecen muchas mujeres como el insomnio, retención de líquidos, espasmos musculares, irritabilidad, entre otros, a través de un artilugio eléctrico: el vibrador.

De una directora parcialmente novata y desconocida (sólo ha hecho dos películas anteriores), Tanya Wexler, y con un guión escrito por Stephen Dyer y Jonah Lisa Dyer, "Hysteria" es una película situada en la parrilla de salida para triunfar gracias al boca a boca. Características: es inglesa, cuenta la historia verídica de un artilugio conocido, es divertida al estilo refinado inglés aunque se acerca mucho al estilo americano y nadie sabrá de ella hasta que alguien le cuente de qué va. Toda una demostración de que hay películas que es mejor que alguien te hable de ellas que conocerlas de antemano. Vas sobre seguro.


Todos tienen un papel fundamental, como buena película inglesa. Hugh Dancy ("Black Hawk Derribado") encaja a la perfección con una de las hijas del Dr. Robert Dalrymple (Jonathan Pryce), interpretada por Maggie Gyllenhaal, ("El Caballero Oscuro"). Ambos con un toque cómico que hace disfrutar al espectador. Pero sin ayuda de los demás, una historia como esta no vale nada. Destacar a dos que merecen ser nombrados: Rupert Everett ("La boda de mi mejor amigo"), espléndido como siempre y Sheridan Smith, quien ha trabajado en numerosas series de televisión. Dos personajes claves para la película y para la historia.

Puede que a alguna le salga su espíritu feminista y sienta ganas de levantarse y marcharse indignada porque a la mujer, en el siglo XIX, se le diagnosticase como "histérica". Recomiendo respirar hondo y olvidar ese pequeño malentendido. Lo importante es disfrutar de una película con un buen trabajo detrás, tanto de guión, como artístico, fotográfico y puesta en escena. Todo milimétricamente medido (como película inglesa que es) para sorprender. "Hysteria" es como esos pequeños objetos que están al final del baúl y a los que nadie da valor, pero que esconden un gran tesoro.

Ya lo dice su cartel: "una comedia romántica con muy buenas vibraciones". Pues eso es, una buena comedia romántica (al estilo inglés, no olvidarlo), que te dejará con una sonrisa en la boca. Ay, si algunos hubiesen conocido antes esta historia, mirarían al vibrador con otra cara.

Nota: 7/10

Vaaaleee, en realidad no las he visto hoy, las vi el sábado, pero voy a ponerlas...

Spanglish



Es un poco rollo, pero me mantuvo entretenida una tarde. 4/10

Misión Imposible: Protocolo Fantasma



No está mal, pero los momentos en que no había acción me costaban un poquillo 6/10

Sinopsis

Joseph y Beth llevan muchos años casados y tienen dos hijas mayores, Grace y Ellie. Un día de invierno en Denver (Colorado), Beth y Grace rescatan a un perro callejero de la autopista. Al poco tiempo, Beth, quien está lidiando con el síndrome del nido vacío y con un marido absorbido por su trabajo como cirujano, conecta de una manera muy especial con el perro. Pero cuando Joseph lo pierde tras la boda de su hija Grace en su residencia vacacional en las Montañas Rocosas, se pone en marcha una búsqueda frenética. Beth, consternada, recurre a la ayuda de los pocos invitados que quedan y de la misteriosa joven que cuida la casa. De un modo u otro, todos los miembros de la batida resultarán afectados por esta aventura, que los conducirá por caminos inesperados, a veces divertidos, a veces angustiosos, y en ocasiones profundamente emotivos.

Crítica


Cuando el cartel de una película no te inspira ningún tipo de confianza, échate a temblar. Ese es el caso de "¡Por fin solos!" (un largometraje español con Alfredo Landa como actor también se llamaba así). Una película que no promete nada y no da nada. Cuyo guión no se sabe muy bien hacia dónde va y cuyos actores no parecen ellos mismos.

Beth Winter (Diane Keaton) es una mujer que sufre el síndrome del nido vacío. Su marido Joseph (Kevin Kline) es un cirujano centrado en su trabajo. Cuando sus hijas se independizan, ella encuentra un perro abandonado en la carretera al que recoge y adopta. Un año después, durante unos días en la casa de verano el perro se pierde y así empieza una aventura por encontrar al animal y encontrarse ellos mismos.

Si después de leer la sinopsis aún tenéis ganas de ver la película no seré yo quien os diga de no verla. Simplemente os recomendaré seguir leyendo para tener todas las claves y poder decidir con lógica.


Empecemos por lo obvio: cómo dos actores de reconocido prestigio como Diane Keaton y Kevin Kline ven algo de interés en este guión. Pregunta que muchas veces no tiene respuesta. Algo tienen que ver que, desde luego, yo he sido incapaz de apreciar. Nada en la historia imprime emoción, interés, apego... ciertas características que hacen quedarte delante de la pantalla. No voy a caer en la facilidad de calificarla como de Telefilme barato, porque no lo es. Se trata de un guión de Meg Kasdan y Lawrence Kasdan ("French Kiss") escrito y pensado para el cine, pero que no llega a definirse en ningún momento. Es simplista y poco arriesgado.

Pero volvamos a los actores porque quizás es lo que más sorprenda. Hay contadas ocasiones que se les reconoce. Es decir, vemos el verdadero talento que tienen a la hora de actuar. Y no es que tengan que hacer los mismos gestos que en otras películas, sino que representen el papel creyendo en lo que están haciendo. En este caso no es así y parecen, más bien, dos actores contratados para llamar la atención. Cierto es que el guión no ayuda (siento volver al punto anterior, pero si una cosa no funciona a veces es muy complicado que funcione la otra). Pero no son solo ellos. Otros actores como Diane Wiest o Richard Jenkinst tampoco consiguen hacer real esta historia.

Hablar de una película que no aporta nada es complicado. No porque no sepas qué decir, que a veces también, sino porque aburrir al lector tanto como te has aburrido tú, debería estar considerado como un pequeño delito contra la integridad física. Por eso no me voy a alargar.

Nota: 2/10

Sinopsis

Andalucía, años cincuenta. Enrique y Carmen, que acaban de conocerse, se enamoran profundamente. Carmen consigue que su novio se quede a prestar el servicio militar en un juzgado de la ciudad. Enrique, a la vista de las injusticias que presencia cada día, se da cuenta de que para cambiar el rumbo de las cosas tiene que actuar. Pronto se verá involucrado en arriesgadas acciones que pondrán en peligro su vida y la de sus compañeros.

Crítica


Cierto es que "Miel de naranjas" es una película más sobre la postguerra española, pero eso no quita para que tenga características diferentes y que la hacen especial. Empezando por su reparto, por la luminosidad que no tienen otras y siguiendo por la elegancia de un thriller a la española. Los prejuicios no son buenos, como ya he afirmado en otras ocasiones, y en este caso es mejor dejarlos en la puerta del cine.

Enrique (Iban Garate) y Carmen (Blanca Suárez) son una pareja enamorada que deciden comenzar su vida juntos en la Andalucía de los años 50. Él trabaja para un juez que se dedica a firmar sentencias de muertes. Enrique empieza a darse cuenta de que, para cambiar las cosas, hay que actuar.

Lo que se cuente sobre la sinopsis es poco ante la gran historia que cuenta la película. A raíz de un guión de Remedios Crespo, quien ganó en el 2009 el VI Premio SGAE de Guión Julio Alejandro por este trabajo y la Biznaga de Plata Premio Alma al Mejor Guionista Novel en el pasado festival de Málaga, el director Inmanol Uribe ("El viaje de Carol") ha filmando todo un entramado que describe la lucha antifranquista en la clandestinidad y todo como si se tratara de una novela negra. Pero si algo la caracteriza es la elegancia. Elegancia a la hora de la puesta en escena. Rodando planos estéticamente bellos y que cuentan lo que tienen que contar, sin forzar. Además, toda la película está rodeada de una luz que la diferencia del concepto de película de la Guerra Civil que tenemos. Esas películas grises, donde los actores tienen caras demacradas y en las que priman las escenas de violencia. Eso no es "Miel de naranjas". Los exteriores están rodados en Jerez de la Frontera (Cádiz) con lo que eso significa de luz, pero, además, los actores están bien caracterizados, incluso los que son prisioneros. (Ahí se nota otra vez la elegancia y la diferencia.)


La película, ganadora de la Biznaga de Plata a la Mejor Dirección en el pasado Festival de Málaga para Inmanol Uribe, cuenta con un reparto idóneo. Desde una promesa en alza como Blanca Suárez (aquella adolescente que empezamos a ver en la serie de televisión "El Internado"), pasando por el joven Iban Garate (poco conocido, pero muy bien situado en esta película), Karra Elejalde ("Pa Negre"), un actor que no necesita presentación, hasta la gran Ángela Molina, quien recibió una mención especial en el pasado Festival de Málaga. Y sin menospreciar a los secundarios, ya que sin ellos, esta historia no tendría el valor que adquiere: Eduard Fernández ("Pa Negre"), Carlos Santos ("Fuga de Cerebros") quien hace un papel impresionante, José Manuel "Poga" ("Grupo 7"), Nora Navas ("Pa Negre"), Barbara Lennie ("Todas las canciones hablan de mi") y así unos cuantos más que con su aportación, consiguen que el espectador recuerde la película cuando sale de la sala.

Como he dicho al principio, los prejuicios no son buenos compañeros a la hora de ver ciertas películas. "Miel de naranjas", aunque trata el tema de la postguerra española y haya vencedores y vencidos, como en todas las historias, no es una película más para perder entre la filmografía española. Cuando el cine español parece que, cada vez más, no le queda otra que agachar la cabeza y esperar tiempos mejores, es de agradecer que algunas películas ofrezcan un aire fresco a una cartelera tan saturada de producciones americanas.

Notas: 7,5/10