Wong Kar Wai dirigirá una biopic de Bruce Lee, que seguirá la relación entre éste y su maestro Yip Man durante la década del 50.

El responsable de cintas como Con ánimo de amar y Happy together volverá a trabajar con su habitual Tony Leung, acompañado esta vez por Zhang Ziyi, Chen Chang, Zhao Benshan y Brigitte Lin. Será Benshan el encargado de dar vida al joven Lee, mientras que Leung se pondrá en la piel de su maestro.

La película –que no tiene aún título definitivo- se rodará entre diciembre de este año y abril del próximo.


Ay Wong Kar... en qué te estás metiendo...
pensar que dirigiste esa OBRA DE ARTE que es Con ánimo de amar!!
(léase: no lo viendo a Wong Kar dirigiendo una biopic... menos de Bruce Lee)

El multifacético Alejandro Jodorowsky ha conseguido financiación para sacar adelante su proyecto más deseado, Abel Cain.

Suerte de "secuela espiritual" de El Topo, Abel Cain seguirá la historia de dos hermanos que se dirigen a un lugar sagrado en una isla para enterrar a su madre, pero cuyo viaje se verá amenazado por una banda de secuestradores.

La película, que no consiguió financiación durante años, será finalmente producida por Arcadiy Golubovich y Olga Mirimskaya, así como de la empresa Parallel Films.

Recordamos que Jodorowsky todavía tiene pendiente el estreno de King Shot, cinta producida por David Lynch y protagonizada por nada menos que Asia Argento, Marilyn Manson, Nick Nolte, Santiago Segura y Rossy De Palma, entre otros.

YA la quiero ver.... y también King Shot, que con esa producción y ese elenco, no puede sino ser GLO-RIO-SA!

Quentin Tarantino ha asegurado que rodará una tercera entrega de Kill Bill: "La novia volverá a luchar", afirmó el cineasta.

En el contexto de la promoción de Malditos Bastardos, Tarantino concedió una entrevista a un programa italiano y allí habló de una nueva entrega de la saga Kill Bill. El responsable de Reservoir Dogs negó rotundamente la posibilidad de una secuela de Pulp Fiction, pero agregó: "¿No van a pedir la tercera parte de Kill Bill?". "La novia volverá a luchar", agregó.

Recordamos que en 2004, tras el estreno de la segunda parte de la saga, Tarantino había anunciado la continuación de Kill Bill, pero hacía años que no se hablaba del tema.


(sólo una palabra: ¡Aguante!)

Ocho años después del estreno de Brother, Takeshi Kitano vuelve a introducirse en el mundo de la mafia en una nueva película que escribe, dirige y protagoniza.

Luego de un período bastante introspectivo que culminó con la trilogía autobiográfica compuesta por Takeshis, Kantoku Banzai! y Aquiles y la Tortuga, Kitano volverá al género con el que debutó en 1989 tras las cámaras, dirigiendo Violent Cop.

El responsable de Boiling Point y Sonatina, entre otras, escribe, dirige y protagoniza un nuevo trabajo aún sin título, que reunirá a varios miembros de un grupo yakuza envueltos en una lucha política para conseguir el control de la organización.

Tomokazu Miura, Kippei Shiina, Ryo Kase, Soichiro Kitamura, Renji Ishibashi, y Jun Kunimura, entre otros, acompañarán a Kitano en el elenco.

Es nuevo proyecto, que está en pleno proceso de rodaje y se estrenaría el año próximo, contará con una distribución internacional a cargo de Warner Bros.

para mí, excelente noticia.. brindo por un nuevo 'Sonatine'!

Les paso una crítica de 'Ashes of time REDUX', el último estreno de uno de mis directores preferidos, Wong Kar Wai:

SINOPSIS:
En la antigua China, Ouyang Feng es un armador de katanas en declive que envidia a su amigo y adversario. Temeroso del amor tras un  romance malparado que le rompe el corazón, Feng es un solitario a perpetuidad. Pero el cazador de recompensas que trabaja para él como "ciego espadachin" y otro de sus mejores guerreros descubren el infatigable secreto de amor verdadero que guarda Feng mientras resguarda su actitud hacia sus guerreros y la valiosa lección que ellos le han enseñado.

CRITICA:
Ashes of time es una película aparentemente distinta al cine de Wong Kar-wai que adquirió fama internacional. Es una superproducción estrenada originalmente entre Chungking Express y Fallen angels, entroncada en el género conocido en China como Wuxia, un género que cruza las artes marciales, con la mitología oriental respecto a la figura del caballero errante. Se dice que Chungking Express fue filmada en dos semanas, un pequeño film realizado mientras se dilataba la producción de esta. Curiosamente, fue aquella la que le otorgó fama internacional, y sentó las bases del cine que haría a continuación. Pero Ashes of time, si bien es un film que parece ubicarse de entrada en un género que nada tiene que ver con el cine que conocemos de este realizador, tiene mucho más que ver con su cine que con el género al que pertenece. Esta crítica se encuentra ante una dificultad, no he visto hasta ahora la versión original de la película, sólo esta reedición de la misma. Wong Kar-wai siempre estuvo descontento con el corte final de aquella, y la fama internacional adquirida le ha permitido, quince años después, reencontrarse con el material y reeditarla a su antojo. Se dice que para la versión "redux", Kar-wai volvió a rodar algunas escenas, pero a su vez quitó otras, concretamente la nueva versión contiene siete minutos menos que la original, contrariamente a lo que hizo Coppola con su versión "redux" de Apocalipsis now. Se dice que Wong Kar-wai cortó para esta versión una escena de combate con Tony Leung que había en aquella, por lo que le habría quitado algo de acción que había en la original, pero a su vez, si uno busca información respecto al estreno de la original, puede enterarse que en su momento fue un fracaso comercial, debido a que es un film de artes marciales con muy poca acción.
Lo concreto, frente al reestreno de esta obra, es que Ashes of time puede leerse desde dos líneas marcadamente distintas. Como una película que evidencia la prácticamente desconocida solvencia de Wong Kar-wai en secuencias de acción (la belleza de las pocas escenas de artes marciales que tiene este film, puede tranquilamente superar al manierismo visual de Zhang Yimou), o como un film que explora elementos habituales en su cine, particularmente, la desgarradora soledad de los personajes, en un marco completamente diferente. Ambas líneas pueden unirse sin problemas. Ashes of time es una película que reflexiona acerca del amor, la soledad, y atraviesa la dramática melancolía de sus personajes, pero a su vez, es un film notable, que explora una veta visual distinta en el cine del realizador hongkonés, aunque esa veta se encuentra reducida a la mínima expresión, y esa mínima expresión revela que, lejos de perder coherencia dentro del drama, la acción merecía un espacio más extenso.
Los amantes del cine de acción oriental pueden considerar a esta como una película decepcionante dentro de este género, un exponente considerablemente menor. Los amantes del cine de Wong Kar-wai, seguramente prefieran quedarse con el ochenta o noventa por ciento de la película, correspondiente a las escenas en las que los personajes viajan al interior de sí mismos para desnudar su naturaleza, y podrán considerar que la acción está de más en esta película. El resto, que no se entronca en ninguno de estos opuestos fanatismos, muy probablemente entienda que semejante producción no se compara con las obras más logradas del realizador, y sin dejar de ser una muy interesante película, con la fuerte dosis de poesía visual tan cara al cine de Wong Kar-wai, un mayor acento en las escenas de artes marciales hubiese permitido una amalgama más sólida entre la acción y el drama, donde se podría haber admirado con asombro la solidez de Wong Kar-wai transitando un camino diametralmente opuesto al que recorrería en su cine posterior.
Independientemente de esta visión, una única conclusión puede sintetizar el estimulante descubrimiento de esta obra desconocida de Kar-wai, y es que los muy pocos minutos de acción de Ashes of time barren completamente con la pretenciosa y generalmente vacua ambición visual del cine de Zhang Yimou. Conclusión que tendría mayor peso si Wong Kar-wai no pareciera desdeñar la acción de su película, pero no deja de ser interesante encontrar un tono completamente distinto en la conocida paleta de colores del célebre realizador, por más que este tono aparezca con retroactividad.

Alguien la vio?
opiniones?

Sinopsis

Lala (Inés Efron), una adolescente que vive en el barrio más exclusivo de Buenos Aires, está enamorada de la Guayi, la criada paraguaya de 20 años que trabaja en su casa. Sueñan con irse a vivir juntas a Paraguay, a orillas del lago Ypacaraí. El asesinato del padre de Lala apura sus planes. Este es el punto de partida que apura la huída en la ruta que une el norte de Buenos Aires con Paraguay. Mientras Lala espera a su amante en Ypoá, reconstruyendo su pasado (el misterio de su embarazo y la leyenda de un niño pez que guía a los ahogados hasta el fondo del lago), la Guayi es detenida en un instituto de menores. Ella también esconde un crimen en su pasado.


Crítica

Otro paseo por los terrenos graves, gravísimos, y revestidos de importancia del cine de Lucía Puenzo. Contrario a lo que se pueda pensar al respecto, luego de sólo dos películas, sí se puede hablar de un cine de Lucía Puenzo. Porque sus dos únicas películas son bastante parecidas, ambas poseen los mismos problemas y las mismas (pocas) virtudes, y solo pueden hallarse algunas ligeras diferencias entre ambas.

Para empezar, dos cosas saltan a la vista, y las dos representan polos opuestos a favor y en contra de este film. A favor, la repetición en el rol protagónico de Inés Efron. Puenzo se sirvió ampliamente del talento de Efron para elevar el nivel de sus dos primeras películas. Efron se expone totalmente en ambos papeles, y aquí entrega una interpretación mucho más intensa. En su personaje anterior, la personificación de Efron se valía de la ambigua naturaleza de Alex, que definía su construcción psicológica. En El niño pez, la intensidad está se externaliza por completo debido al vínculo del personaje de Lala con el amor (la Guayi) y la muerte (su padre). En contra, la constante voluntad de Puenzo hija de erigir un melodrama trágico, que ese terrible dramón carezca por completo de aire, y represente el verdadero peso que defina a la historia y los personajes. Ambos elementos están al servicio de la construcción de un drama pretendida y forzadamente intenso, que no carece del todo de la necesidad autoimpuesta de "tocar temas importantes" como en XXY (esto está atenuado aunque se puede ver desde la base misma de la historia, en el relato del desprecio y la hipocresía de las clases acomodadas), y prácticamente no les da respiro alguno a los personajes, especialmente a la pareja protagónica (la estupenda Efron y Mariela Vitale, revelación absoluta de la película).

Si en XXY, Puenzo se planteaba hacer un drama sobre la libre elección sexual a partir de una excepción física, en esta, se nota claramente la idea de contar un relato trágico del vínculo de dos mujeres de diferentes clases sociales, y marcadas más por la condena a raíz de esa diferencia social que por la elección sexual de ambas. Aquí hay una violación (una situación terrible y humillante, que aparece en ambas), y una muerte, la única posibilidad de respiro de estas dos mujeres, pero a su vez, su inmediata condena. La construcción de un relato trágico no es un elemento de por sí criticable, desde Romeo y Julieta hasta acá, el amor en la ficción vive coqueteando o sumergiéndose de lleno en la tragedia. Sin embargo, para que haya un relato trágico debe haber una cierta felicidad que vislumbra la tragedia. En El niño pez, el peso trágico es tan grande (y tan poco natural en su construcción) que la felicidad apenas se asoma. Para peor, si consideramos como natural la asfixia absoluta de la tragedia que aquí se narra, el terrible peso del relato trágico vuelca hacia un desenlace que traiciona las bases mismas de la tragedia, y presenta precisamente todo lo que Puenzo debería haber expuesto de ambas vidas al comienzo del film.

La tragedia en El niño pez es el smog que asfixia desde el llano toda posibilidad de construcción narrativa, que en ningún momento considera la necesidad de insuflarle un poco de aire a la historia y los personajes. Una tragedia que solo está ahí para decir "Esta es una película seria, sobre la hipocresía de la clase alta, y las miserias que se esconden en su intimidad". Con mucha mayor pericia narrativa para la tragedia y la crítica social, y con mayor intensidad dramática, la directora argentina Albertina Carri realizó cuatro años atrás la película Géminis. En Géminis estaba todo lo que está aquí, exceptuando el vínculo lésbico (allí era el romance entre dos hermanos), con la diferencia de que Géminis conseguía ser un film tan grave y solemne como El niño pez, pero mucho más valioso, pese a no tener a la dupla Efron/Vitale, una de las pocas cosas que aquí se destacan.

No se hablo aquí de la inútil presencia de Pep Munné "doblado al argentino", por esas idiotas imposiciones del modelo de coproducción (obviamente, nada peor para un actor talentoso que caer en las redes del doblaje). No se habló de ello en esta crítica, pero no está de más mencionarlo.


opiniones otras sobre el filme?

- Nuevo proyecto para Nicole Kidman: 'Little Bee'

Universal Pictures llevará a la gran pantalla el videojuego para Atari 'Asteroids', y lo hará de la mano del productor de Transformers.

La Universal le ganó la licitación a Sony y 20th Century Fox –entre otras compañías- para quedarse con los derechos del videojuego Asteroids, y lo llevará al cine bajo la producción de Lorenzo di Bonaventura, responsable de las dos entregas de Transformers y de G.I.Joe. El libreto llevará la firma de Matt Lopez, guionista de Bedtimes Stories.

Recordamos que Atari lanzó Asteroids en 1979, pero el videojuego se hizo mundialmente famoso en la década siguiente.


.. puede esperarse algo bueno de todo esto?

sacha baron cohen con escrúpulos...?

muy raro!

Acá pueden leer una crítica del debut del mexicano Guillermo Arriaga como director:

Alguien la vio? qué opinión les merece??

Saludos!

No se permite colocar enlaces de críticas ajenas.

Acá les paso una crítica de una comedia argentina..


Dirección: Alberto Lecchi.
Países: Argentina y España.
Año: 2008.
Duración: 93 min.
Género: Comedia.
Elenco: Darío Grandinetti (Juan Pérez), Leticia Brédice (Romina), Martín Piroyansky (Luis), Nicolás Scarpino (empleado), Atilio Pozzobon (Acosta), Rául Calandra (Galván), León Dogodny (borracho), Jorge Ochoa (Petiso Posada), Sergio Ferreiro (José), Jorge Miceli (Dr. González), Paula Sartor (Jimena), María Cristina Sala (Mónica).
Guión: Pablo Solarz.
Producción: Luis A. Sartor, Guillermo Madjarian, Alejandro Piñeyro y Julio Recio.
Música: Julián Vat.
Fotografía: Hugo Colace.
Montaje: Javier Ruiz Caldera.
Dirección artística: Mariana Sourrouille.
Vestuario: Soledad Cancela.
Estreno en Argentina: 11 Sept. 2008.

Crítica:
Si esta película fuese un plato y debemos detallar los ingredientes que la componen, en El frasco tenemos: Uno de los directores más prolíficos e irregulares del cine argentino de los últimos veinte años, un guionista generalmente eficiente, un actor consagrado que aquí entrega una actuación sumamente robótica, una actriz consagrada que hace lo que puede, unos muy buenos actores secundarios desaprovechadísimos, y una historia que navega sin rumbo. ¿Es una comedia absurda? ¿Es un drama romántico? No lo sabemos ni lo sabremos, porque tal vez los propios realizadores no lo sepan. Si nos atenemos a la forma en que ha sido dirigido Grandinetti, tenemos a un personaje que no solo se conduce como robot, sino que posee una torpeza pseudo-chaplinesca y una manera de actuar "busterkeatoniana", que parecería que podría derrumbarse el mundo sin que él se de cuenta siquiera. Con eso tenemos una comedia absurda, y un personaje que parece salido de otro planeta. Pero, ¿qué pasaría si a ese personaje se lo intenta mostrar tierno, o se lo inserta en una historia romántica? Juan Pérez, tal su nombre, no es el personaje de Chaplin ni se le parece, su andar carece de comicidad, y su único gag físico se repite hasta el cansancio. Lejos de generar empatía (en el caso de Charlot su condición humilde generaba cierta conexión con él, aquí no existe conexión posible), los traumas infantiles que cuenta hacia el final no solo llegan tarde, sino que tampoco explican aunque sea su extraña forma de moverse. Si fuese solo un ser apocado y mudo (como su sobrenombre), si no tuviese ninguno de estos elementos innecesarios que lo alejan de las dimensiones de un personaje verosímil, uno ingresaría de manera más sencilla en esta historia de amor. Pero esto no sucede, y la construcción del personaje de Grandinetti deja mucho que desear. Tampoco ayudan las historias secundarias, como la del hermano menor de Romina (Leticia Brédice) que secuestra por amor a una menor de edad, que no solo no aportan nada a la trama principal, sino que parecen tener demasiada fuerza para una película que desaprovecha sistemáticamente este tipo de ejes paralelos. Y menos ayudan los personajes que aparecen siempre en el mismo lugar, sin hacer nada, solo dedicados a emitir alguna que otra opinión y que, si están para una construcción pintoresca de la vida pueblerina, no consiguen ni siquiera eso, y quedan como meras marionetas (no más contundentes en ese sentido que el propio protagonista). Se supone que el puntapié inicial de la historia, el dichoso frasco con la muestra de orina, es un apunte de por sí absurdo, pero eso solo no alcanza para una comedia absurda, y tampoco alcanza el trazo grueso sobre el personaje de Juan, porque hace falta mucho más para redondear una comedia de este tenor, y si se intenta acoplar esto a una historia de amor, con los sucesivos problemas narrativos que ello conlleva (el primer beso, que rapidamente se convierte en una compulsiva escena de sexo, no beneficia a ninguno de los dos géneros entre los que se debate el film), da como resultado algo que no es ni lo uno ni lo otro, porque ni siquiera llega a ser algo que por momentos es una cosa y por momentos otra, debido a que siempre se cuela el drama en esa errática vida de pueblo. Curiosamente, esto surge de un guión de Pablo Solarz (Historias mínimas, ¿Quién dice que es fácil?) , que no nos tiene acostumbrados a este tipo de ambigüedades, y de Alberto Lecchi, un experimentado director que siempre ha demostrado, de mejor o peor manera, que entiende los códigos genéricos. Por lo que aquí no sabemos bien qué ha ocurrido y quién tiene la culpa de semejante disparate más cercano del ridículo que de otra cosa, aunque sospechamos que se trata de un guión y un actor víctimas de una mala decisión de director, que no ha medido los límites (o no ha sabido expresar las intenciones) de vestir a un actor con piel de Pinocho.

Alguien la vio?? opiniones?

Para los fanáticos del rock.. acá una crítica de esta biopic de Ian Curtis, el líder de Joy Division.. algún fan con ansias de opinar??


"El concepto de control que aparece desde el título de la película, no solo refiere al tema de Joy Division "She's lost control", sino que es la síntesis estética y narrativa del film. La película entera podría estar refiriendo a cualquier otra persona en la misma situación física y emocional que Ian Curtis, y quizás poco importe en esta biografía que el protagonista es el joven líder de la banda británica de finales de los setenta Joy Division. Lo que se narra aquí es la historia de un joven que ve como su vida va perdiendo el control, emocionalmente, por las decisiones que ha tomado a lo largo de los años (en su corta e incipiente vida adulta), y físicamente, al padecer un cuadro severo de epilepsia que lo obliga a estar preso en un cuerpo que por momentos se torna ingobernable. La incapacidad de gobernar el propio cuerpo, símbolo éste de la imposibilidad de mantener el control de su vida, era ya el tema central de El aura, aquel formidable thriller del argentino Fabián Bielinsky. Pero lo que allí se asociaba a una personalidad obsesiva y al servicio de una mente que busca controlar todos los detalles que lo rodean, aquí es una metáfora concreta de las pasiones encontradas de Ian, atrapado en un prematuro matrimonio, y encontrándose con una periodista que rápidamente se convierte en su amante. Aunque vemos el nacimiento y apogeo de Joy Division, en la Inglaterra explosiva de David Bowie y Sex Pistols, la historia pasa por Ian, y como sus amores encontrados lo van llevando a una sensación de total soledad, alejándose finalmente de la banda y sintiendo que incluso sobre el escenario no puede tomar control de su propia vida y optar por lo que desea. El control como concepto aparece desde los problemas maritales de un siempre apocado Ian, y se consolida luego con la aparición de Annik, su amante, pero a su vez es el concepto que gobierna estéticamente el film. Anton Corbijn, famoso fotógrafo y director con amplia experiencia en videos musicales (desde Depeche Mode hasta U2, Metallica y Nirvana), elige una puesta diametralmente distinta al eclecticismo y al vértigo propio del videoclip. Dominada por un prolijo blanco y negro, y planos largos y generalmente abiertos, su puesta da cuenta de un control permanente que solo parece salir de su rigidez en determinadas oportunidades, cuando debe exponer los ataques epilépticos de Ian. Una puesta que precisamente desde su control logra captar la naturaleza del desbarranque emocional de Ian, que lo lleva a suicidarse a los 23 años. La película podría tranquilamente prescindir de su contexto, pero la Inglaterra punk de los setenta alimenta el perfil tumultuoso de Ian, como un joven cuya turbulenta vida sentimental y cuya abulia cotidiana lo convierten en una pequeña sombra, o el germen destinado a un breve y efímero florecimiento antes de su descenso trágico, de otras vidas y obras más complejas y turbulentas, como la de Sid Vicious. Todo este combo conforma una de las películas biográficas de rock más extrañas y fascinantes que hayamos visto en años".



saludos!

FICHA TÉCNICA

Dirección y guión: Nic Balthazar.
Países: Bélgica y Holanda.
Año: 2007.
Duración: 90 min.
Género: Drama.
Elenco: Greg Timmermans (Ben), Marijke Pinoy (madre de Ben), Laura Verlinden (Scarlite), Pol Goossen (padre de Ben), Titus De Voogdt (Bogaert), Maarten Claeyssens (Desmet), Gilles De Schryver (Coppola), Peter De Graef (psiquiatra), An Van Gijsegem (Maaike), Tania Van Der Sanden (Sabine).
Producción: Peter Bouckaert y Erwin Provoost.
Música: Praga Khan.
Fotografía: Lou Berghmans.
Montaje: Philippe Ravoet.
Diseño de producción: Kurt Loyens.
Vestuario: Heleen Heintjes.
Estreno en Bélgica: 26 Septiembre 2007.


SINOPSIS:


Ben carga con la cruz de ser el raro de su clase, el favorito para las bromas y crueldades de los matones del instituto. La inteligencia de Ben es superior a la del resto de sus compañeros, pero también es retraído, exacerbadamente tímido... hasta el punto que parece rayar el autismo. Su vida en el colegio es un infierno pero, cuando llega a casa, al refugio de su habitación, se sienta delante del ordenador y surge el Ben amo y señor del juego online favorito de millones de adolescentes, incluídos los que lo atormentan a diario. Mediante este juego Ben logra mantenerse vivo, dejar de ser una víctima para convertirse en héroe.


CRÍTICA:

Ben X posee elementos propios de un drama intenso, principalmente un personaje especial (cercano al tipo de personajes que la Academia de Hollywood suele ponderar), un adolescente con un comportamiento similar al autismo, el cual podría tranquilamente ser un rasgo natural del personaje, o una consecuencia de su adicción al entretenimiento virtual, un incomprendido que navega entre la realidad virtual y la alucinación para escapar al hostigamiento de sus compañeros. El personaje podría pertenecer al universo adolescente de Gus Van Sant, o de Afterschool, salvo por el hecho de que este personaje es una excepción, y no el reflejo natural de su generación, como los personajes de aquellas obras. Pero Ben X posee un grave problema en su tratamiento, que genera una distancia abismal entre el drama que narra la película y el espectador. La película decide jugar con la virtualidad que rodea a Ben y trabaja su drama interno apelando a un relato apabullante, vertiginoso, cargado de violencia. El tratamiento de la violencia, particularmente las sucesivas humillaciones que padece de sus compañeros, y el empleo innecesario de supuestas entrevistas a los que lo rodean, no hace más que alejarnos del nivel de intensidad dramática que propone la película, especialmente en el caótico relato en primera persona de Ben. Para peor, cuando la película intenta sumergirnos en el "acto liberador" de Ben que es, a su vez, el momento más dramático del film, las cartas ya están echadas y lo desconcertante de este acontecimiento genera más distanciamiento que conmoción. La solución que se ha pensado a este acto final es aún más controversial, ya que hace que todo lo visto anteriormente (desde las entrevistas hasta el acto en sí) se resuelva mediante una trampa flagrante, provocada por la necesidad de un final feliz, o al menos, conciliador. En resumen, Ben podría haber sido el protagonista de una película profunda, pero el hecho de que no se sepa con certeza cuál es la voz del film (¿Es Ben hablándonos a nosotros, o los padres, mediante las falsas entrevistas?), el innecesario y desprolijo regodeo estético, y las sucesivas trampas de un guión cuyo argumento tenía suficientes elementos interesantes para no apelar al desconcierto constante del espectador, como finalmente hace, consiguen que esta película resulte ser un drama imposible, superficial, y cinematográficamente bobo, con un personaje y una historia arruinados por un pésimo tratamiento.


... a los que la vieron, qué les pareció??


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Import/Export es un film un tanto extraño, pero no más que el grueso de los films independientes que habitualmente llaman la atención de festivales internacionales. Lo más interesante de este film es su idea inicial, la historia paralela de Olga y Paul, y el concepto de inmigración cruzada, con dos personas que por necesidades económicas, se van a vivir al país del otro. Su puesta despojada, que privilegia los planos generales y la simetría visual, le sirve a su director, Ulrich Seidl, para narrar la manera en que el espacio afecta las vidas de Olga y Paul, tanto el espacio propio de los lugares (del que vienen y al que van), como los ámbitos particulares, como el hospital de Austria donde Olga entra a trabajar en el área de limpieza, el claustrofóbico lugar donde algunas mujeres austríacas trabajan practicando sexo virtual, o los espacios que transita Paul en busca de nuevas aventuras sexuales. Seidl enfatiza el patetismo de algunas situaciones (la mayoría de ellas están atravesadas por este tono), y este patetismo le sirve para mostrar la falta de perspectivas en las vidas de la ucraniana y el austríaco. Sin embargo, es este mismo patetismo el que hace que la película se instale definitivamente en determinados espacios, como el hospital, donde los ancianos viven sus últimos instantes de vida, e intentan beber de la juventud y gracia de Olga, y al instalarse en esos espacios, la película se hunde en una narración algo tediosa y sofocante, perdiendo la visión paralela de ambas vidas. Al privilegiar determinadas situaciones, la película pierde el eje de su concepto inicial, y convierte a la vida de Paul en una sucesión de momentos irrelevantes y superficiales, frente a la gravedad de los lugares y personajes que frecuenta Olga.

El realizador ruso Sergei Bodrov se aprestó a realizar un film épico sobre el nacimiento del mito de Genghis Khan. Pese al evidente tono de superproducción que caracteriza a este film, diversos problemas resaltan de esta propuesta. El primer problema radica en trasladar una historia de neto espíritu oriental, a una mentalidad si bien no radicalmente opuesta, como podría haber sido si fuese "made in Hollywood", a kilómetros de distancia de la estética y el espíritu del cine oriental, cine del que parece abrevar bastante esta historia antigua de honor y venganza. El segundo problema, que deviene de aquel, aparece en las escenas de batalla, cargadas de violencia y al mismo tiempo, notoriamente rutinarias y carentes de sangre (entiéndase por sangre, fuerza y energía, no la sangre en sí, que hay y mucha). Si la película se apoya excesivamente en las escenas bélicas, escenas que se muestran extremadamente iguales a infinitas películas que hemos visto anteriormente, lo más interesante que Mongol tiene para mostrar es la imagen del niño Temudgin en busca de una esposa, y lo que continúa por ese mismo camino, especialmente las pocas escenas intimistas de la película. Si Bodrov se hubiese enfocado en esa pequeña pero curiosa línea narrativa para contar la historia de Genghis Khan, como lo hace en los primeros minutos, cuando Khan es simplemente el niño Temudgin, en vez de apelar a las imágenes más fastuosas y, a su vez, más convencionales a la hora de retratar esta historia, estaríamos ante una película peculiar y fascinante. Al apelar a la épica como eje central, sirviendo en bandeja lo que cualquier espectador esperaría ver de una historia basada en el personaje del afamado conquistador mongol, no hace más que sumir en el tedio una trama con algunas aristas que necesitaban ser aprovechadas de verdad, y no oficiar de subtramas para rellenar al personaje y a las escenas de acción, que fallan por ser abordadas desde una puesta para nada innovadora.