Cita de: Jason en 02 de Diciembre de 2007, 09:51:18 PM

En general bastante de acuerdo, aunque no en lo de la moralina. Comparando ésta con Cars no hay color (por si no queda claro, Cars es infinitamente más moralista. A ésta no le veo esas intenciones.). Esta peca de lo que dices, de una historia rocambolesca no demasiado bien trazada, vamos, que nunca llegas a saber de qué va exactamente. Yo me quedaría con que es más educacional, sobre la enorme importancia de las abejas en la vida animal y en la nuestra propia.

Yo es que no he visto Cars...

Bee movie es la nueva película de Dreamworks.

Dirigida por Steve Hickner y Simon J. Smith, y basada en un relato del cómico Jerry Seinfeld, la película cuenta con las voces del propio Jerry Seinfeld y Renée Zellweger, en nuestro país dobladas por Arturo Valls y María Adánez.

La película cuenta la historia de Barry B. Benson, una abeja recién graduada en la universidad que se encuentra algo decepcionada de su ocupación actual: hacer miel. Un día conoce a Vanessa, una florista de Nueva York. Su relación comienza a florecer y, tras descubrir que los humanos roban la miel a las abejas para luego comecrcializarla, Barry decide demandarles...

Parece que, al menos en este 2007, Dreamworks ha quedado a la estela de Pixar, su directo competidor. Títulos como Shrek Tercero o esta Bee movie nada tienen que hacer al lado de esa pequeña joya de la animación que ha supuesto ser Ratatouille, y ni tan siquiera ese pretendido mayor desparpajo ni esa acidez características de la factoría Spielberg han podido hacer frente al producto global rival. Así ocurrió con la floja tercera entrega del, por otro lado, todavía rentable ogro verde, y poco más de lo mismo ocurre con Bee movie, a pesar de tratarse de una cinta algo más completa que su predecesora.

Bee movie tiene momentos realmente inolvidables, ciertos golpes de efecto magistrales, constantes guiños al mundo del espectáculo y una corrosiva acidez en algunos de sus diálogos verdaderamente inteligente pero, por desgracia, estos pequeños conatos de genialidad naufragan en ese mar carente de brillantez y originalidad que supone, en líneas generales, la película de Dreamworks.

Siguiendo con las metáforas marítimas, podríamos decir que Bee movie va a la deriva a lo largo de todo su metraje, como si en ningún momento lograra hallar el norte, con una historia que cambia de rumbo en varias ocasiones sin llegar en ningún momento a buen puerto. Por el camino, la chispa dialéctica del cómico Jerry Seinfeld nos hace atisbar en lontananza algo de genialidad, puntuales golpes de timón que pretenden poner rumbo a tierra, pero que no logran evitar que la película quede encallada en un quiero y no puedo.

Bee movie, como decía, pretende tanto divertir a base de golpes de efecto y gags puntuales como mandar un mensaje de esperanza para todos aquellos que se sientan atrapados en el mundo que los rodea, noble intención (algo moralista, aunque la mayoría de las películas de animación pequen de ello, incluso las enfocadas a un público supuestamente más adulto), pero que no logra cuajar en ningún momento. Ni los gags junto a personajes conocidos como Sting o Ray Liotta, ni la humanización de una sociedad animal (que ya vimos en otros títulos de Dreamworks como Antz, Chicken run o Ratónpolis) ni los ácidos comentarios que aparecen intermitentemente en la película consiguen librarnos de una desazonadora sensación que nos dice que Bee movie no sabe en ningún momento hacia dónde pretende ir.

Así y todo, se trata de una película divertida, con puntuales momentos verdaderamente hilarantes, diálogos ocasionalmente zafios e inteligentes, pero que parecen desprender incluso una mayor moralina que los productos de su competidora. Además, el doblaje de Arturo Valls tampoco ayuda en mucho, la verdad.

Le doy un 6 sobre 10.

Pues a mí 'The host' me encantó, pera ésta es un truño enoooooorme...

Eso sí, es tan mal que si no te duermes te ríes. Pobre Robert Forster, dónde ha ido a parar...

Gracias! Toy mú liado por todas partes.

Sin duda alguna, una de las películas más esperadas de este 2007 sea Beowulf, fantasía épica basada en el homónimo poema sajón que ha sido dirigida por Robert Zemeckis y protagonizada por unos digitalizados Ray Winstone, Angelina Jolie, Anthony Hopkins, John Malkovich y Robin Wright Penn entre otros.

Beowulf nos sitúa en un tiempo de héroes, en Dinamarca, donde el reinado de Hrothgar vive bajo la sombra del gigante Grendel; del otro lado del mar, el poderoso guerrero Beowulf llegará para dar muerte al demonio, provocando así la ira de su monstruosa a la vez que seductora madre, en un conflicto que transformará a un rey en leyenda.

Ante todo, querría precisar que un servidor no ha tenido la oportunidad de disfrutar de la película en fomato 3D estereofónico, como parece ser que mandan los cánones, sino en una pantalla ortodoxa, aunque de considerables dimensiones.

Una de las frases más impactantes de Beowulf y que, por otro lado, resume a la perfección buena parte de mis reacciones para con la película, es la que el vasallo de Hrothgar convertido al cristianismo grita en el tramo final de la película: los pecados de los padres. ¿Por qué? Porque Beowulf adolece exactamente de los mismos errores (aunque en menor medida) que adolecía el anterior intento de Robert Zemeckis, Polar Express, de digitalizar a sus personajes.

Tras este agorero inicio de crítica, pasemos ahora a relatar las virtudes de Beowulf que, por otro lado, no son pocas: la nueva película de Robert Zemeckis es, como cabía esperar, todo un portento visual, con unos decorados deslumbrantes y una historia fascinante, una banda sonora estruendosa y pegadiza en muchos de sus pasajes y un aura épica que, sin lugar a dudas, es lo mejor del film con diferencia.

Por contra, y como decía al principio de esta crítica, los personajes de Beowulf no están siempre al nivel de su entorno, al menos gráficamente, pues el preciosismo de sus primeros planos y su hiperrealismo quedan en parte desvirtuados tanto con algunos de sus movimientos (a la hora de cabalgar, por ejemplo) como por sus personajes terciarios, muy poco definidos en algunos casos. Por ello, y a pesar del primer impacto visual de Beowulf -más aún (supongo) si la visionamos en 3D estereofónico- uno no puede dejar de tener la sensación de que está viendo una larga introducción de un juego de consola de última generación.

A favor de Beowulf cabe decir que su historia, a pesar de resultar predecible en términos generales, no deja de resultar interesante, sobretodo gracias a unos diálogos no demasiado extensos aunque sí efectivos, además de sorprendentemente verosímilies en los labios de sus protagonistas virtuales, bastante más consistentes que muchos actores de carne y hueso en otras películas de corte fantástico. Por otro lado, uno de los mayores logros de la película de Robert Zemeckis es que, aunque pueda resultar paradójico, no abusa de los efectos especiales, basándose en un ritmo narrativo relativamente sosegado y sobrio en líneas generales a excepción de su tramo final, cosa que sin duda favorece a la propia condición épica del metraje.

El epicentro de dicho metraje es, por si alguien lo dudaba, el personaje interpretado por Ray Winstone, el héroe legendario (aunque algo bravucón), noble y altivo, orgulloso y temerario, el cual troca todas aquellas virtudes enfatizadas por una vida de aventuras en favor de la estabilidad de un reinado, y quizá algo de lujuria. A partir de ese momento, Beowulf pasa de ser un héroe de leyenda a desenmascararse como un cobarde traidor, aunque no por ello queda desvirtuado a los ojos ni de su séquito ni del espectador pues, en realidad, el Mito se ha convertido en Hombre, nada más: un ser vulnerable, mundano, que con el paso de los años se dará cuenta de su error y deberá enfrentarse a sus propios miedos otorgándole, curiosamente, la redención que su alma anhela. Por ello, Beowulf no hace sino presentarnos al Hombre como Monstruo y viceversa, mensaje que, sobretodo últimamente, encontramos en mayor o menor grado en nuevas producciones como es el caso de ese copy/paste llamado Invasión, por poner el ejemplo más reciente.

Así pues, la epicidad de Beowulf está garantizada, así como el derroche de sobrios efectos especiales y, al igual que 300, instantáneas para recordar, si bien uno debe reconocer que la película de Robert Zemeckis pretende, aunque no lo consiga del todo, llegar más allá de la mera estética a través de un mundo enteramente virtual, cosa que es digna de alabar. Eso, y el hecho de proporcionarnos una historia fantástica sin connotaciones infantiles, tal y como ha ocurrido con esa agradable sorpresa que ha sido Stardust.

Así y todo, sigo pensando que la misma película con personajes de carne hueso habría resultado muy superior.

Le doy un 7'5 sobre 10.



Hacía tiempo que no pasaba por aquí. Un saludo a todos.

Yo en mi blog le he puesto un 8'5. Realmente genial, al menos para mi gusto.



¡Y esta mañana he almorzado con Plaza y Balagueró! Jeje!

También hay que tener en cuenta que esta es la versión 'extendida' de la película.

Si hubiera sido estrenado en doble sión, 'Detah proof' habría durado 20 minutos menos, probablemente de diálogo.

Jajajajaja!!!!

Está claro que para gustos los colores...

A mí Death Proof me ha gustado muchísimo y otra gente de por aquí (y de otros lares) la han aborrecido, citando muchos de ellos a Kill Bill. En cambio, a mí Kill Bill, sobretodo la primera, me parecióuna tomadura de pelo tremenda... Y eso que la he visto ya 5 veces para volver a darle una oportunidad, pero ni por esas.



Si es que...

Nop.

Es la acompaña a las dos conductoras, creo. La chica del baile que dices tú es Vanessa ferlito, Butterfly en la peli.

Creo, vamos.





A quí están las cuatro: Mary Elizabeth Winstead, Rosario Dawson, Zoe Bell, y Tracie Thoms.

El director chino Jia Zang Ke (Placeres desconocidos, El mundo) ganó el año pasado el León de Oro del Festival de Venecia gracias a Sanxia haoren, que con un año de retraso llega a nuestras carteleras bajo el nombre de Naturaleza muerta.

Con Tao Zhao y Samming Han como principales protagonistas, Naturaleza muerta cuenta dos historias separadas cuyo único nexo común es su entorno: la China de los últimos años.

La historia transcurre en los alrededores de Fengjie, aldea que quedó anegada hace escaso tiempo por las aguas del rio Yangt-se con motivo de la construcción de la presa de las Tres Gargantas, uno de los proyectos más ambiciosos de la China comunista. Allí llegan Han Sanmin y Shen Hong, con la intención de reencontrarse con sus respectivas parejas, a las cuales no ven desde hace años. Han Sanmin, minero de profesión, hace diciséis años que no ve ni a su esposa ni a su hija, mientras que Shen Hong, una enfermera, busca a su esposo, ausente durante los últimos dos años, para pedirle el divorcio.

Ambas historias, similares tanto en cuanto a trama como en cuanto a situación geográfica e histórica, sirven al director Jia Zang Ke para realizar un bello y conmovedor retrato hiperrealista de la China contemporánea: la pobreza, el éxodo masivo en busca de un exiguo porvenir, la tradición y la utopía comunista enfrentadas a la globalización y la corrupción... La cámara del cineasta chino refleja con majestuosos y amplios planos llenos de vida la realidad de un país inmerso en una profunda crisis existencial, donde tradición y evolución se encuentran enfrentadas.

Verdaderamente, la metáfora que supone Naturaleza muerta es de una belleza y fuerza incontestables, donde cada imagen, cada frase, ofrece un contraste impecable, encontrándonos, por ejemplo, con carteles gigantescos de Mao Tse-Tung presidiendo edificios condenados a ser demolidos en cuyo interior habitan jóvenes que idolatran a estrellas del cine de acción asiático como Chow Yun-Fat. Y de este modo transcurren los casi 110 minutos de Naturaleza muerta, entre planos amplios que empequeñecen a sus moradores y que enfatizan su soledad, con una búsqueda infructuosa por parte de sus personajes, los cuales tratan de recuperar tiempos mejores o bien dejar atrás los lastres de la nostalgia.

Peeero... Sí, por supuesto que hay un pero.

Y es que Naturalza muerta es exasperantemente lenta. Acostumbrados la mayoría de los espectadores al cine norteamericano, donde los planos por minuto se cuentan por decenas, la película de Jia Zang Ke seguramente se antoje para muchos como una agonía de planos interminables, enfatizados por la común escasez de diálogo del cine oriental. Por si eso fuera poco, los caminos de los protagonistas nunca llegan a entrecruzarse, algo que por momentos parece inevitable para consolidar la trama de su historia, pero que nunca llega a acontecer.

Y es que Naturaleza muerta no es una historia, es un retrato. Y como tal hay que entenderlo.

Así pues, Naturaleza muerta es una de esas películas que fascinarán a todos aquellos asiduos tanto al cine dramático asiático como a aquéllos que buscan algo verdademente diferente a la cartelera convencional y, cómo no, a nuestro amado gremio de gafapastas. Por otro lado, cualquiera que no esté acostumbrado a este tipo de cine y que no vaya debidamente concienciado, seguramente definirá Naturaleza muerta como un soberano peñazo.

Y probablemente ambos tengan su parte de razón.

Le doy un 7 sobre 10.

Tras el estreno de Planet Terror a principios de este mes de agosto, este fin de semana llega a nuestras pantallas Death proof, el segundo segmento de Grindhouse dirigido por Quentin Tarantino.

Si bien no creo que haya un alma que no sepa ya en qué consiste Grindhouse, diré a modo de recodatorio que se trata de un proyecto conjunto entre Robert Rodriguez y Quentin Tarantino a modo de homenaje de aquellas dobles sesiones que hace ya bastantes se proyectaban en salas de mala muerte o autocines, y en los que el público asistía a dos proyeciones repletas de caspa, casquería, serie Z y todos los calificativos terminados en -plotation que se os pasen por la cabeza.

Así como Rodriguez se había decantado por la vertiente más gore de este tipo de cine, en la que los manguerazos de zumo de grosella y las prótesis de látex se conjuraban con un sentido del humor de lo más cafre, Tarantino opta por una fusión entre el cine de terror inmediatamente predecesor a las slasher movies de finales de los setenta y principios de los ochenta con algo de giallo italiano, y las persecuciones automovilísticas.

Todo ello, cómo no, con una buena y sugerente dosis de sexploitation.

A pesar de que el propioTarantino, tanto en entrevistas como en el propio guión de Death proof, cita sin tapujos películas como 60 segundos (obviamente, no el remake de Nicholas Cage, si no la película de 1974 dirigida por H. B. Halicki), Punto límite: cero o Vanishing point, los referentes automovilísticos para el resto de los mortales (yo incluido) bien podrían ser El diablo sobre ruedas, Los locos de Cannonball o incluso Mad Max; a eso, añadidle películas de terror como Black Christmas o Viernes 13, aunque quizá se encuentre más cerca de clásicos como 2000 maníacos, Festín sangriento o giallos como El pájaro de las plumas de cristal o Rojo oscuro, aderezadlo todo con una buena dosis de de diálogos propios del director, y os haréis una idea de lo que os espera con Death proof.

Y es que Death proof es mucho más tarantiniana de lo que pudiera parecer en primera instancia, no ya por sus explícitos referentes a un tipo de cine más underground, pasto del videoclub en el que el director de Knoxville encontrara la inspiración, si no por esas largas conversaciones a las que Tarantino nos tiene ya acostumbrados desde esa magistral abertura en torno al mensaje de Like a virgin en Reservoir dogs.

Así pues, Death proof cuenta con largas conversaciones aparentemente intrascendentes en cuanto a temática, tanto en una primera mitad protagonizada por Vanessa Ferlito, Jordan Ladd, Lanna Frank, Sydney Tamiia Poitier y Rose McGowan, como en su segundo tramo interpretado por Mary Elisabeth Winstead, Marcy Harriell, Rosario Dawson y Zöe Bell, la doble de Uma Thurman en Kill Bill, y cuyo nexo común no es sino el psicópata Stuntman Mike, protagonizado por un inconmensurable Kurt Russell.

De hecho, Stuntman Mike desaparece por completo durante buena parte del metraje, dejando que las cuatro jóvenes acechadas sin saberlo protagonicen una serie de conversaciones que bien pueden llegar a la media hora de metraje ininterumpido, con unas brillantes intepretaciones tanto por parte de Rosario Dawson como de Zöe Bell, y en las que podemos apreciar (aparte de otros muchos guiños a lo largo de la película, como el uso de teléfonos móviles o el cartel en la carretera que anuncia Scary Movie 4 y Wolf Creek) que Death Proof no transcurre en los años sesenta o setenta, sino que lo hace en la actualidad, si bien todo el mundo recreado nos transporta a esa época.

Así pues, Death proof ofrece sangre, violencia, largísimos diálogos que compiten con largísimas persecuciones de coches, sexploitation, terror y algo de giallo, todo ello con errores y cortes de metraje, suciedad y granulados y, cómo no, el cameo de la mitad de los protagonistas de Planet Terror con los mismo o diferentes papeles, como es el caso de Rose McGowan, Electra y Elise Avellan, Nicky Katt, Marley Shelton, el propio Quentin Tarantino o Michael Parks, el cual ya ha interpretado al sheriff Earl McGraw en Death proof, Planet Terror, Kill Bill y Abierto hasta el amanecer.

Puede que, como muchos dicen, Tarantino pueda dar mucho más de sí, pero nadie podrá negar tampoco que Death proof es una película simplemente genial, no ya por sus guiños y referentes, que ya de por sí son todo un mundo, sino por su propia realización.

¿Genialidad? ¿Excentricidad? ¿Aberración?

Le doy un 8'5 sobre 10.

Bueno, pues ya que estamos, posteo mi crítica.



Wolf Creek ha tardado dos años en llegar a nuestras carteleras.

Tras haber ganado el Premio del Jurado en el Festival Fantástico de Austin, y haber estado nominada al Saturn Award, por fin llega a nuestras salas el próximo 31 de agosto.

Dirigida por Greg McLean y protagonizada por John Jarratt, Cassandra Magrath, Kestie Morassi y Nathan Phillips, Wolf Creek cuenta la historia basada en hechos reales de dos chicas inglesas y un joven de Sidney que deciden ir a visitar el cráter de Wolf Creek, en mitad del desierto australiano. Tras haber visitado el lugar, los jóvenes se dan cuenta de que el coche no arranca pero, por suerte, son encontrados por Mick, un lugareño que se ofrece a remorcarlos hasta su granja y reparar allí el vehículo.

Siendo absolutamente objetivos, podríamos decir sin ningún tipo de contemplación que Wolf Creek no es más que una nueva película de terror en la que un grupo de jóvenes turistas son acosados por la población autóctona; es decir, que a grosso modo estaríamos ante la misma fórmula de Hostel, Hostel 2 y Turistas, por citar los ejemplos más recientes.

Pero claro, hay modos y modos de hacerlo.

Así como las películas anteriormente citadas se obstinan en realizar un cóctel de semidesnudos y casquería barata (por mucho que algunos se empecinen en decir lo contrario), Wolf Creek pretende ponernos realmente incómodos, a pesar de que no lo consiga. A caballo entre La matanza de Texas y El proyecto de la bruja de Blair, todo ello sazonado con una atmósfera de road movie, Wolf Creek transcurrirá bastante lenta para la mayor parte de público, con un rodaje en cámara en mano aunque relativamente estático, que nos mostrará la suerte de los tres jóvenes tanto en conjunto como por separado, hasta el desenlace final.

Y quizá sea este aspecto lo más destacable de Wolf Creek, el hecho de narrar el destino de sus personajes por separado, sin mostrarnos el destino de sus compañeros hasta el momento oportuno, en el que la historia cambia de protagonista. Eso, y un impagable John Jarratt, que se antoja como una especie de capitán Quint de Tiburón en versión psicópata.

El resto, por desgracia, es más de lo mismo: violencia no demasiado explícita salvo en puntuales ocasiones, persecuciones en la sempiterna oscuridad, gritos y consternación, el símil del cazador y su presa... A pesar de ello, Wolf Creek es una más que digna película, con momentos verdaderamente intensos y una realización sobria totalmente alejada del habitual formato teenager, cosa que siempre es de agradecer, sobretodo con los tiempos que corren.

Le doy un 5'5 sobre 10.

Saludos!!!

La última legión es la primera película dirigida por Doug Lefler, cuya relación con Sam Raimi le ha servido para trabajar en el departamento artístico de películas como El ejército de las tinieblas, ser la segunda unidad de cámara en Spider-man, la propia El ejército de las tinieblas o Un plan sencillo, o ponerse tras las cámaras en varios capítulos de Xena y Hércules.

La película se autoproclama como la verdadera historia de Excalibur, referente que tampoco es muy de fiar que digamos si tenemos en cuenta que ese peñazo llamado El rey Arturo presentaba acreditaciones similares: en el año 476 antes de Cristo, el Imperio Romano está amenazado por los bárbaros. En la víspera de la ceremonia de coronación que convertirá al joven Rómulus Augustus en emperador, el general bárbaro Odoacer llegará a Roma para cerrar un acuerdo con Orestes, pero él denegará sus peticiones.

El día de la coronación, cuando toda Roma se reúne para asistir a la ceremonia, Ambrosinus, chamán y tutor de Rómulus, predecirá el inminente peligro, por lo que Orestes nombrará a Aurelius, de la cuarta legión, como guardia personal de su hijo. Esa misma noche, Odoacer y su ejército conquistarán Roma y raptarán al joven César, reteniéndolo junto a Ambrosinus en la isla de Capri, donde será rescatado por Aurelius y sus hombres, iniciando una huída que los conducirá hasta Britania.

Cabe decir que La última legión posee un reparto de lo más extraño, con actores reconocidos por su faceta cómica como Colin Firth (El diario de Bridget Jones, Love actually, La importancia de llamarse Ernesto) o John Hannah (La momia, Cuatro bodas y un funeral), actores tan dispares como Ben Kingsley, o la emergente estrella de Bollywood Ayshwarya Rai.

Basada en la novela de Valerio Massimo Manfredi, La última legión se sirve de su trasfondo de novela histórica para recrear una trama más próxima al cine de aventuras al uso que a la supuesta seriedad que pretende promocionar. Y es que la ópera prima de Doug Lefler se antoja como una poco afortunada mezcla de Excalibur e Indiana Jones ambientada en el universo de Gladiator, con secuencias de humor y duelos coreografiados que no hacen sino mellar la poca credibilidad que ya de por sí tenía la película.

Y es que Colin Firth lleva demasiado tiempo realizando unos (nada desdeñables, por otro lado) pápeles cómicos como para que, de buenas a primeras, se convierta en una suerte de rudo legionario romano; si además le añadimos a una estrella de Bollywood y a un poco creíble Ben Kingsley más próximo al Panorámix de los cómics de Astérix que al Merlín de Nicol Williamson que todos disfrutamos en la genial Excalibur de John Boorman, La última legión se antoja poco más que como un mero disparate.

Eso sí, entretenido en ocasiones.

Por otro lado, tras haber presenciado en el cine adaptaciones épicas como la anteriormente mencionada Gladiator, Troya o Braveheart, por poner algunos ejemplos, La última legión parece más un producción para televisión que un estreno de cine para este siglo XXI. Y es que seguramente de eso se trate, teniendo en cuenta la inexperiencia del director y la disparidad de su reparto.

Así pues, todos aquellos que tenían pensado ir a ver La última legión por sus connotaciones artúricas, mejor que lo olviden, pues sin duda alguna se van a sentir profundamente defraudados por una película de bajo presupuesto y menor credibilidad.

De todos modos, le doy un 4 sobre 10, ya que en ocasiones me reí y no llegué a dormirme mientras la veía.

Pues a mí me gustó la madurez del enfoque en esta nueva entrega, a pesar de que la relación entre Raphael y Leonardo deje a un lado a los otros dos miembros del grupo. Además, sin acción exagerada, duración corta, buenos gráficos, escaso humor para adolescentes... La verdad, me divertí más con TMNT que con Piratas del Caribe, Shreck o Spider-man 3.

Llámenme raro.



Saludos!

Jeje...

Es que aquí nos quejamos de las traducciones de los títulos, pero por lo que veo al otro lado del charco la cosa está todavía peor, ¿no?